Escenas míticas del cine (CCCXLIII)

Como decía ayer, en 1973 llega la segunda película de la saga de Harry Callahan, Harry, El Fuerte, donde los principales asesinos de la ciudad de San Francisco están siendo asesinados. Quizás en varios aspectos este film sea superior a la primera parte, ya que mientras Don Siegel había creado un entretenido thriller policial en Harry, El Sucio, además de dar a conocer al protagonista y sus métodos, el film de Ted Post es cinematográficamente superior, hablo no sólo por su enérgica dirección, sino por un guión que contiene unas muy interesantes reflexiones dramáticas y políticas gracias a dos guionistas de lujo como fueron John Milius y Michael Cimino.

En esta cinta Harry Callahan se enfrenta no a un psicópata malo porque sí, sino a un escuadrón de la muerte formado por un grupo de policías que ha decidido ejercer de juez, jurado y especialmente verdugo. Para ello se dedican a pasearse por la ciudad ejecutando a cualquier criminal rico que se les ponga a tiro y de manera premeditada. Y al comando de todos ellos está el Teniente Briggs (Hal Holbrook). Su manera de pensar queda muy bien reflejada en una frase que dice en la película: "Odio el maldito sistema, pero mientras no venga alguien con una idea mejor que tenga sentido, lo respetaré".

Pero al principio del film, Harry tendrá que lidiar con unos locos que han secuestrado un avión, él se hace pasar por un capitán de vuelo, y entra en el avión para supuestamente despegar, pero evidentemente no tiene ni idea de manejar el aparato (algo que le pregunta el copiloto extrañado por su actitud), y empieza a desembarazarse de los secuestradores, uno a uno. 

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXLII)

En 1973 llega la segunda película de la saga de Harry Callahan, Harry, El Fuerte, donde los principales asesinos de la ciudad de San Francisco están siendo asesinados. Quizás en varios aspectos este film sea superior a la primera parte, ya que mientras Don Siegel había creado un entretenido thriller policial en Harry, El Sucio, además de dar a conocer al protagonista y sus métodos, el film de Ted Post es cinematográficamente superior, hablo no sólo por su enérgica dirección, sino por un guión que contiene unas muy interesantes reflexiones dramáticas y políticas gracias a dos guionistas de lujo como fueron John Milius y Michael Cimino.

En esta cinta Harry Callahan se enfrenta no a un psicópata malo porque sí, sino a un escuadrón de la muerte formado por un grupo de policías que ha decidido ejercer de juez, jurado y especialmente verdugo. Para ello se dedican a pasearse por la ciudad ejecutando a cualquier criminal rico que se les ponga a tiro y de manera premeditada. Y al comando de todos ellos está el Teniente Briggs (Hal Holbrook).

En la escena final, después de haberse cargado a todos los agentes del escuadrón, solo queda Briggs, que tiene encañonado a Harry, pero él deja la bomba en su coche, al irse este explota, a lo que Harry sentencia: "el hombre debe conocer sus limitaciones".

Os dejo con la mítica escena final.

Escenas míticas del cine (CCCXLI)

Como decía días atrás, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados desde el inicio del film.

En una escena mítica su nuevo compañero Chico (Reni Santoni) le pregunta a Harry porqué le apodan "El sucio", atento el detective De Georgio (Robert Mitchum) le dice que Harry tiene algo en su favor y es que no siente favoritismo por nadie ya que odia a todo el mundo... ingleses, irlandeses, judíos, negros, indios, chinos... a lo que Chico pregunta cual es su opinión de los mexicanos, a lo que Harry contesta que les tiene un odio especial guiñando el ojo al de Georgio.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXL)

Clint Eastwood protagonizó la tercera entrega de Harry, esta vez El Ejecutor, interpretando al inspector de homicidios de San Francisco Harry Callahan, dirigido por James Fargo y Robert Daley, en esta ocasión. En este caso, un grupo de terroristas autodenominados Acción revolucionaria del pueblo, amenazan con hacerlo volar todo después de robar en una fábrica de armas mucha munición, si no se cumplen sus demandas. Harry, sigue poniendo de los nervios a sus superiores por sus métodos poco ortodoxos pero efectivos, será quien los persiga, más después de que su compañero muera a manos de los violentos. Pone toda la carne en el asador y remueve toda la ciudad hasta encontrarlos, iglesias de por medio, y tendrá de compañera a Kate Moore (Tyne Daly), una mujer recién salida de la escuela de oficiales.

En una escena mítica, hay unos ladrones que tienen rehenes en una tienda y piden un coche, a lo que Harry, accede a sus peticiones a su manera, entra con su coche policial en la tienda y se carga a los delincuentes.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXIX)

Como decía días atrás, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados al inicio del film, cuando al entrar a comer un perrito caliente en el bar de siempre, se percata de que es posible de que se esté perpretando un atraco a un banco ya que ha visto un coche sospechoso justo enfrente, y sin perder la calma requiere al propietario a que llame a la policía para advertirlo. Pero lo vuelve a repetir, algo parecido en la escena final, cuando después de disparar a Scorpio (Andrew Robinson) que tiene retenido a un niño que pescaba, le dice: "Sé lo que estás pensando, si he disparado seis tiros o solo cinco. La verdad es que he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, el arma más poderosa del mundo, capaz de volarte los sesos de un solo disparo, ¿no crees que deberías pensar que eres afortunado hijo de perra?". A lo que el asesino intenta coger el arma y es disparado por Harry.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVIII)

En 1976 Clint Eastwood dirige y protagoniza un western realmente espectacular, traducido aquí como El Fuera de la Ley, que cuenta la historia, dentro de la Guerra de secesión americana (1861-1865), de Josey Wales, quien tras el asesinato de su familia por soldados yanquis (algunos botas rojas incluidos) decidirá cobrar venganza y se convertirá en perseguido fugitivo, al ser el último hombre que se ha negado a firmar un acuerdo de paz con los vencedores de la Guerra. Este granjero de Missouri se une a guerrilleros confederados que siguen luchando contra La Unión, incluso después de haber finalizado la Guerra.

Este film es la adaptación cinematográfica de la excelente novela de Forrest Carter (1925-1978) titulada Huido a Texas (Gone to Texas, 1973) y que guionizó Philip Kaufman al principio y de cuya labor fue sustituido por el propio Eastwood, después de unos días de rodaje.

Pero éste film, dentro de los westerns hechos por Eastwood se diferencia de los otros en su lado oscuro (en su fotografía), sucio, con su parte psicodélica, algo pesimista en su mensaje central, pero con unos toques de humor realmente impresionantes y acertados.

Es un personaje, el de Wales, marcado por la tragedia y el odio, y que se mete en una guerra que ni le iba ni le venía, sólo por conseguir vengar la muerte de su familia. Pero al finalizar la guerra, él no los encuentra y encima está en el bando perdedor. Pero Josey, inicia una huida hacia adelante que deja un reguero de sangre a su paso. En ese camino conocerá, asaltados por comancheros a Lone Watie (Chief Dan George), un indio mayorcete que le refugiará, como favor por salvarles la vida, en las Naciones Indias. También formarán parte de la troupe la abuela Sarah (Paula Trueman) y Laura Lee (Sondra Locke) por la que Josey se interesará.

En una escena mítica, Josey entra en una tienda por provisiones, y ve a dos tipos que abusan de una mujer india, uno de ellos le reconoce y le pide entregar sus revólveres, cuando se los va a dar, los gira y les dispara. Después le dice al tendero que esos caballos de fuera... ya no tienen dueño.

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVII)

Como decía ayer, en 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino. Nada se interpone entre su sentido del deber y su Magnum 44. Su personalidad y sus métodos quedan reflejados al inicio del film, cuando al entrar a comer un perrito caliente en el bar de siempre, se percata de que es posible de que se esté perpretando un atraco a un banco ya que ha visto un coche sospechoso justo enfrente, y sin perder la calma requiere al propietario a que llame a la policía para advertirlo. Pero no hay tiempo a que "llegue la caballería" como dice el propio Callahan. Suena la alarma, y todo se desata, de forma pausada, sin perder ni por asomo la compostura, Harry sale a la calle mientras da los últimos bocados al perrito, en dirección al banco con su Magnum 44 desenfundada y se enfrenta a los atracadores, abatiendo a dos de ellos que huyen en el coche y encarándose con el tercero que llevaba un rifle y le ha dejado herido y con el rifle a su alcance, es entonces cuando pronuncia una frase mítica y lapidaria: "Sé lo que te estás preguntando, si he disparado seis tiros o solo cinco. La verdad es que con todo este ajetreo he perdido la cuenta. Pero siendo este un Magnum 44, el arma más poderosa del mundo, capaz de volarte los sesos de un solo disparo, deberías preguntarte ¿es mi día de suerte? ¿verdad que sí, vago? A lo que el ladrón le dice que necesita saberlo...

Os dejo con la ultramítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXVI)

En 1971 Don Siegel dirige a Clint Eastwood en Harry el Sucio. Harry Callahan es un duro policía criado en las calles de San Francisco, cuyo apelativo de "El Sucio" se lo ha ganado gracias a sus particulares métodos de lucha en contra de criminales, además de tener siempre que encargarse de los trabajos más desagradables. Cuando un francotirador que se hace llamar "Scorpio" asesina a una mujer desde una azotea y promete matar a más personas si la ciudad no le paga 100.000 dólares, el inspector Callahan será el encargado de intentar resolver el caso y dar caza al asesino.

John Vernon hace el papel de El Alcalde de San Francisco, y tiene una conversación con Harry acerca de que no quiere más dificultades como las que tuvo en el distrito Fillmore un año antes diciendo que esa es su política, a lo que Harry le contesta que: "cuando un hombre acosa a una mujer con la intención de violarla, yo mato al hombre, esa es mi política".

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXIV)

Moustapha Akkad dirigió en 1976 esta película libia de título The Message, traducida aquí como "Mahoma, el mensajero de Dios". Ambientada en el Siglo VII, donde Mohammad está firmemente decidido a terminar con las injusticias de los líderes de la Meca, a partir de una visión que dice haber tenido del ángel Gabriel, y les persuade para que abandonen la adoración de los 300 ídolos de Kaaba en favor de uno sólo. Además de no escuchar sus ruegos, las reuniones de Mohammad y sus partidarios son respondidas con persecuciones y crueles torturas. Su expulsión de la Meca desencadena la sed de justicia de éstos hasta que Mohammad accede a tomar las armas y luchar para instaurar el monoteísmo. El film tiene como protagonistas principales a Anthony Quinn en el papel de Hamza, Irene Papas en el de Hind o Michael Ansara en el de Abu Sofyan.

La banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre, que supo musicar de manera perfecta todo lo descrito en el film.

Os dejo con el tema The message de la banda sonora.

Anatomie d'une chute (2023)

Justine Triet dirige su séptima película titulada Anatomía de una caída, un film que desde su estreno en Cannes tuvo multitud de premios (ganó la Palma de Oro), elogios, parabienes, etc., y que ha sido considerada una de las mejores películas del año pasado, que es un drama judicial interesante donde no importa realmente la verdad, si no la disección de la vida de una pareja descuartizada y que tuvo en el accidente de su hijo que le dejó sin visión un punto de inflexión.

Sandra Voyter (Sandra Hüller) es una escritora alemana que vive junto a su marido Samuel Maleski (Samuel Theis) y su hijo ciego Daniel (Milo Machado Graner) en una casa en mitad de los Alpes franceses. El inicio del film es que Daniel sale a dar un paseo con su perro, mientras su madre, que es escritora tiene una charla con una mujer que vino a entrevistarla. Cuando Daniel vuelve se encuentra a su padre muerto en extrañas circunstancias, iniciándose el proceso judicial para determinar las causas del fallecimiento y discernir si fue un homicidio o un suicidio.

La premisa de la película, es que partimos de que no sabemos si la persona a la que se juzga es culpable o no, manteniendo esa tensión a lo largo de toda la cinta, teniendo para mí la traba de que tiene un ritmo bastante lento. A lo largo del juicio, el fiscal trata de demostrar continuamente la culpabilidad de Sandra en cuanto tiene la mínima oportunidad y salen a la luz discusiones de la pareja, su vida íntima, la bisexuealidad de ella y el asunto de su hijo, que cuando sucedió el accidente estaba a cargo del padre esos días, cosa por la que siempre se fustigó Samuel.

Se hacen muchas reconstrucciones de lo sucedido para tratar de aclarar que pasó y siempre Sandra se mantiene firme en su inocencia, apoyada en su abogado y viejo amigo Vincent Renzi (Swann Arlaud).

Para el espectador en todo momento es una situación peculiar, ya que teniendo acceso a datos íntimos, conversaciones que el propio Samuel grababa para un proyecto de un libro (aunque era profesor) y donde se escuchan peleas entre la pareja, conversaciones entre la protagonista y su hijo, entre ella y su abogado, etc., hace que tengamos una visión sesgada quizás, lo que al final nos convierte en parte del jurado popular sin poder de decisión. Pero los personajes y la situación son muy ambiguos y cada pista que se da en el juicio nos complica todo en mayor medida, tantos matices lo hace algo inabarcable.

La declaración de Daniel será al final decisiva en el juicio y su perro Messi, un protagonista secundario pero crucial.

Os dejo con el tráiler del film.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXIII)

Richard Brooks dirige en 1966 Los Profesionales, un clásico del western colocado por derecho propio entre los mejores de la historia del cine. Este director tenía ya joyas en su bagaje como La gata sobre el tejado de zinc (1958) y Dulce pájaro de juventud (1958) entre otras. 

Con un reparto actoral de lujo, la música de Maurice Jarre y un excelente guión basado en la novela A mule for the Marquesa de Frank O'Rourke, Brooks firma un western crepuscular sobre unos paisajes desolados, desérticos, de sol abrasador, por los que se mueven unos personajes que son algo así, como los representantes de una raza de hombres acostumbrados a vivir a salto de mata, de un lado para otro de la frontera, unas veces de lado de unos supuestos buenos y otras de su propio lado, en una delgada línea frágil.

En el año 1917 cuatro expertos mercenarios son reclutados por un multimillonario llamado Joe Grant (Ralph Bellamy) con la misión de recuperar a su esposa (Claudia Cardinale) de las manos de un rebelde mexicano llamado Jesús Raza (Jack Palance). Raza había sido compañero de los profesionales contratados, Henry Rico Fardan (Lee Marvin) y Bill Dorworth (Burt Lancaster), cuando estos dos últimos se habían unido a la causa de la revolución mexicana.
Pero la historia tendrá un giro inesperado cuando ellos vayan al rescate de la mujer, ya que no era lo que les había contado Mr. Grant...

La música de Maurice Jarre es excelente, acompaña las escenas de manera perfecta.

Os dejo con el tema que abre la banda sonora, el Proposition for the Professionals-Main title.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXII)

En 1961 Richard Fleischer dirigió la producción italiana Barrabás, que era una adaptación del libro "Barabbas" del escritor sueco y ganador del Premio Nóbel de literatura de 1951 Pär Lagerkvist, que narra la ficticia vida del criminal, ladrón y pendenciero a cambio de Cristo. Revisada en estos días es un perfecto spin-off de lo sucedido con Cristo, que sería lo visto en muchas películas como el tema central, siendo esta magnífica obra la que trata sobre cómo le fue la vida a Barrabás después de ser indultado. Se trata de una cinta tramada sobre las interrogantes, las que hierven en las tinieblas a las que se ve condenado a vivir, alguien que fue elegido para vivir en detrimento de aquel que supuestamente representaba "la luz", osea Jesucristo, la misma luz que deslumbraba a Barrabás. El film tiene muchas cosas a su favor, un director ya en ese momento curtido, de amplia filmografía y que era capaz de abordar múltiples géneros, un trabajo de fotografía excelso para la época de Aldo Tonti, que emula las luces de Rembrandt, esos claro-oscuros, por supuesto la labor actoral encabezada por un soberbio Anthony Quinn en el papel de Barrabás, Arthur Kennedy como Poncio Pilatos, un joven Vittorio Gassman como Sahak (compañero de trabajos forzados y como gladiador de Barrabás), Silvia Mangano como Raquel (cristiana y querida de Barrabás), Ernest Borgnine como Lucius o el magnífico Jack Palance como Torvald jefe de los gladiadores (con una semejanza al Messala de Ben-Hur) que está sensacional. Por si fuera poco la banda sonora corre a cargo de Mario Nascimbene que logra generar esa portentosa ambientación místico-religiosa.

Os dejo con el Main theme de inicio de la banda sonora.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXXI)

En 1980 Moustapha Akkad dirige El león del desierto, una co-producción norteamericana y libia que nos narra como a punto de entrar en el Siglo XX, las naciones que se habían quedado atrás en el reparto de colonias auspiciado por la conferencia de Berlín de 1884, buscan una pequeña tajada entre las migajas que van dejando las grandes potencias. Italia se fija en Libia, que había quedado fuera del reparto colonial de África y a la que los italianos llamaban "Quarta Sponda" (la cuarta costa italiana), al haber sido una provincia del antiguo Imperio Romano, siendo objeto de una invasión militar italiana en toda regla el 3 de octubre de 1911. Casi veinte años después, harto de que el territorio estuviera sin pacificar y siguiera habiendo enfrentamientos entre el ejército de ocupación y las tropas regulares de beduinos, Benito Mussolini, al que daba vida Rod Steiger, envía al general Rodolfo Graziani (Oliver Reed) con el encargo de acabar definitivamente con la insurgencia nativa y capturar al líder de los rebeldes Omar Mukhtar (Anthony Quinn). La arrogancia del general fascista que mandaba en Italia choca claramente con el idealismo del líder libio. Tras una grave derrota de las tropas italianas, comenzó el reinado del terror, ya que la venganza de los soldados italianos es terrible, reciben órdenes de atacar no solo a la guerrilla, sino también a la población civil. A pesar de las duras represalias, la voluntad de los beduinos no flaquea, pero todo se recrudece con la obsesión de victoria y aprobación por Mussolini de Graziani, que ordena sitiar a la población e impedir que sea abastecida (¿a qué me suena esto hoy en día...?).

La música corrió a cargo de Maurice Jarre, otra maravilla compositiva del francés.

Os dejo con el tema Omar the teacher.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXX)

En 1986 Peter Weir dirige La costa de los mosquitos, basado en la gran novela de Paul Theroux de 1981. Nos cuenta la historia de un brillante inventor Allie Fox, al que da vida Harrison Ford (actor fetiche del director), que está hastiado del consumismo de la sociedad moderna en su país Estados Unidos, por lo que decide alejarse de la civilización con su familia, su mujer la Señora Fox que interpreta Helen Mirren y sus cuatro hijos Charlie (River Phoenix), Jerry (Jadrien Steele) y las gemelas April (Hilary Gordon) y Clover (Rebecca Gordon) y emprender una nueva vida en plena jungla en Belize, America Central, más concretamente en una zona selvática conocida como "la costa de los mosquitos". Allie compra la propiedad de un miserable poblacho local, Jerónimo, y se convierte así en el alcalde y principal impulsor de una comunidad que pretende ser ideal, libre delos defectos que tiene la sociedad capitalista en general y norteamericana en particular, edificada alrededor de una versión corregida y aumentada de la máquina de fabricación de hielo. Bajo su guía, este soñador convierte el nuevo hogar en un paraíso gracias a sus inventos, pero pronto su mente comienza a desmoronarse.

La banda sonora corrió a cargo, de nuevo, de Maurice Jarre, que vuelve a hacer una gran música que acompaña a la perfección cada momento del film.

Os dejo con el tema principal de la banda sonora.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXIX)

Como decía ayer, Peter Weir dirigió en 1989 El club de los poetas muertos, cuyo principal papel protagonista era interpretado por Robin Williams. Aunque esta película podría estar ambientada hoy día, nos empieza situando en la academia Welton (en Vermont), el primer día del curso 1959-60. Allí en el aula magna de la vieja escuela, pronto se verán algunos puntos que marcan el devenir de los protagonistas de la historia, sobre todo la férrea disciplina de los responsables de la misma y como no, el control absoluto de los padres sobre la vida de sus hijos. Una de las pocas novedades de la presentación de ese curso y gran bocanada de aire fresco en ella, es la presentación del nuevo profesor de literatura, John Keating, al que da vida un magnífico Robin Williams, un antiguo alumno de la escuela.

Las clases empiezan con la misma monotonía de siempre, es decir, dictados, repeticiones, muuuchos deberes, amenazas de sanciones si no los hacías, todo sobre raíles, hasta que llega la primera clase de Keating, quien sorpresivamente invita a todos a salir del aula e ir a un expositor donde hay una foto de la primera promoción de Welton, un grupo de alumnos, que según Keating nunca consiguieron entender el "carpe diem". Ese será el punto de partida para que Keating despliegue todo su arsenal y sus alternativos métodos para que los alumnos decidan por sí mismos. Habrá cuatro de sus alumnos (Neil, Todd, Knox y Charlie) que decidirán recuperar un viejo club de la época de Keating, "El club de los poetas muertos", club clandestino donde reunirse, leer poesía, charlar... vivir en definitiva.

La banda sonora corrió a cargo de el gran Maurice Jarre, una delicia compositiva con instrumentos de cuerda antiguos en muchos momentos y siendo una herramienta fundamental dentro del film.

Os dejo con el tema que abría la banda sonora, Carpe diem.

Escenas míticas del cine (CCCXXXV)

Peter Weir dirigió en 1989 El club de los poetas muertos, cuyo principal papel protagonista era interpretado por Robin Williams. Aunque esta película podría estar ambientada hoy día, nos empieza situando en la academia Welton (en Vermont), el primer día del curso 1959-60. Allí en el aula magna de la vieja escuela, pronto se verán algunos puntos que marcan el devenir de los protagonistas de la historia, sobre todo la férrea disciplina de los responsables de la misma y como no, el control absoluto de los padres sobre la vida de sus hijos. Una de las pocas novedades de la presentación de ese curso y gran bocanada de aire fresco en ella, es la presentación del nuevo profesor de literatura, John Keating, al que da vida un magnífico Robin Williams, un antiguo alumno de la escuela.

Las clases empiezan con la misma monotonía de siempre, es decir, dictados, repeticiones, muuuchos deberes, amenazas de sanciones si no los hacías, todo sobre raíles, hasta que llega la primera clase de Keating, quien sorpresivamente invita a todos a salir del aula e ir a un expositor donde hay una foto de la primera promoción de Welton, un grupo de alumnos, que según Keating nunca consiguieron entender el "carpe diem". Ese será el punto de partida para que Keating despliegue todo su arsenal y sus alternativos métodos para que los alumnos decidan por sí mismos. Habrá cuatro de sus alumnos (Neil, Todd, Knox y Charlie) que decidirán recuperar un viejo club de la época de Keating, "El club de los poetas muertos", club clandestino donde reunirse, leer poesía, charlar... vivir en definitiva.

Os dejo con esa escena mítica donde Keating les enseña qué es el carpe diem, cuyo verdadero espíritu es disfrutar de la vida, porque solo tenemos una vida.

Escenas míticas del cine (CCCXXXIV)

Como decía ayer, John Houston dirigió en 1975 una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos, en la que se cuenta la peripecia basada en la historia de Rudyard Kipling, de Peachy Carnehan (Michael Caine) y Daniel Dravot (Sean Connery), dos simpáticos buscavidas, antiguos sargentos del ejército británico que subsisten dedicándose a actividades poco lícitas en la India colonial de finales del siglo XIX. En una de sus correrías, conocen al escritor y periodista Rudyard Kipling al que da vida Christopher Plummer, con el que traban amistad ya que los tres son masones. Con Kipling como testigo, los dos amigos firman un contrato en el que se comprometen a emprender juntos un viaje hasta el lejano e inexplorado Kafiristán, y una vez allí formar un ejército, convertirse en reyes y hacer fortuna. Evidentemente se convierte en una odisea, donde hay diversión, exotismo, amistad, mucha emoción y alguna lágrima también. La excelente pareja que formaron Caine y Connery fue decidida muy poco antes de rodar, ya que primero figuraban en la cabeza de Houston gente de la talla de Bogart, Spencer Tracy, Gable, incluso Kirk Douglas y Burt Lancaster.

En una escena mítica y ya instaurado como "rey", Dravot ejerce como tal y la gente va a él para que dicte sentencia como si de un juez se tratara, acerca de diversos asuntos, unos vienen de un pueblo y un hombre tiene 60 vacas cuyo mérito es de la mujer, ya que las infidelidades del marido son contestadas con un castigo de 6 vacas, con lo que consigue reunir 60 vacas y 32 cabras a lo que Dravot dice: "Eso no es una mujer, es una inversión". El rey ve que un marido tiene 3 esposas, otro 4 y otro 6, y ante las risas de Carnehan, Dravot impone nuevas leyes adjudicando un número diferente de vacas en el trato. Pasa el siguiente, que pide permiso para atacar y apropiarse de reservas de grano de otro pueblo ya que el suyo se incendió y lo perdieron todo, a lo que Dravot dice que no hará falta eso, para que no mueran de hambre el rey proclama una ley para que cada pueblo traiga una décima parte de sus reservas para dárselas al pueblo necesitado, y como es rey también proclama una ley para un receso... es lo bueno de ser rey...  

Os dejo con la mítica escena.

Escenas míticas del cine (CCCXXXIII)

Como decía ayer, John Houston dirigió en 1975 una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos, en la que se cuenta la peripecia basada en la historia de Rudyard Kipling, de Peachy Carnehan (Michael Caine) y Daniel Dravot (Sean Connery), dos simpáticos buscavidas, antiguos sargentos del ejército británico que subsisten dedicándose a actividades poco lícitas en la India colonial de finales del siglo XIX. En una de sus correrías, conocen al escritor y periodista Rudyard Kipling al que da vida Christopher Plummer, con el que traban amistad ya que los tres son masones. Con Kipling como testigo, los dos amigos firman un contrato en el que se comprometen a emprender juntos un viaje hasta el lejano e inexplorado Kafiristán, y una vez allí formar un ejército, convertirse en reyes y hacer fortuna. Evidentemente se convierte en una odisea, donde hay diversión, exotismo, amistad, mucha emoción y alguna lágrima también. La excelente pareja que formaron Caine y Connery fue decidida muy poco antes de rodar, ya que primero figuraban en la cabeza de Houston gente de la talla de Bogart, Spencer Tracy, Gable, incluso Kirk Douglas y Burt Lancaster.

En una escena mítica y ya metidos en Kafiristán, se dan cuenta que las gentes de aquellas tierras son algo bestias, ya que juegan al polo con la cabeza de uno de los prisioneros, a lo que Carnehan dice "No debemos tener prejuicios, a distinto país, distintas costumbres". Así que Carnehan y Dravot deciden instruirlos en el arte de la guerra enseñándoles a usar los fusiles.

Os dejo con la mítica escena.

Bandas sonoras míticas del cine (CLXVIII)

 

John Houston dirigió en 1975 una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos, en la que se cuenta la peripecia basada en la historia de Rudyard Kipling, de Peachy Carnehan (Michael Caine) y Daniel Dravot (Sean Connery), dos simpáticos buscavidas, antiguos sargentos del ejército británico que subsisten dedicándose a actividades poco lícitas en la India colonial de finales del siglo XIX. En una de sus correrías, conocen al escritor y periodista Rudyard Kipling al que da vida Christopher Plummer, con el que traban amistad ya que los tres son masones. Con Kipling como testigo, los dos amigos firman un contrato en el que se comprometen a emprender juntos un viaje hasta el lejano e inexplorado Kafiristán, y una vez allí formar un ejército, convertirse en reyes y hacer fortuna. Evidentemente se convierte en una odisea, donde hay diversión, exotismo, amistad, mucha emoción y alguna lágrima también. La excelente pareja que formaron Caine y Connery fue decidida muy poco antes de rodar, ya que primero figuraban en la cabeza de Houston gente de la talla de Bogart, Spencer Tracy, Gable, incluso Kirk Douglas y Burt Lancaster.

Por si fuera poco la música de la banda sonora corrió a cargo de Maurice Jarre, una delicia y una preciosidad de melodías que acompañan la aventura.

Os dejo con el tema The King's march.

Los Oscars 2024.

Este pasado domingo 10 de marzo se ha celebrado la gala de los Oscars en el Dolby Theatre de Los Ángeles con el cómico Jimmy Kimmel como presentador de la ceremonia. El film sobre la figura de J. Robert Oppenheimer, titulada Oppenheimer se ha convertido en la gran vencedora de la noche tras conseguir 7 estatuillas, entre las que destacan mejor dirección para Christopher Nolan, mejor película, mejor actor para Cillian Murphy, mejor actor de reparto para Robert Downey Jr. y los galardones al montaje, fotografía y mejor banda sonora original. La película Pobres criaturas es la otra gran galardonada con Emma Stone con el Oscar a mejor actriz protagonista, además de mejor maquillaje y peluquería, diseño de producción y diseño de vestuario, en total cuatro. El Óscar a mejor actriz de reparto se lo llevó Da'Vine Joy Randolph por Los que se quedan. Barbie solo se llevó un Óscar a la mejor canción original, la gran derrotada.

En el ámbito nacional, tanto Juan Antonio Bayona con su "La sociedad de la nieve" como Pablo Berger con su "Robot Dreams" se han vuelto de vacío.

Después de que Al Pacino subiera al escenario y arruinara uno de los momentos cumbres de la noche, se fueron desvelando todos los premios, no hubo incidentes y todo se desarrolló sin problemas.

Ésta fue la lista de ganadores:

*Mejor Película: OPPENHEIMER

*Mejor Actor:  CILLIAN MURPHY por Oppenheimer

*Mejor Director: CHRISTOPHER NOLAN por Oppenheimer

*Mejor Actriz:  EMMA STONE por Pobres criaturas

*Mejor Guión original: JUSTIN TRIET Y ARTHUR HARARI por Anatomía de una caída

*Mejor Guión adaptado: CORD JEFFERSON (Basada en la novela Erasure de Percival Everett) por American Fiction

*Mejor Actor de reparto:  ROBERT DOWNEY JR. por Oppenheimer

*Mejor Actriz de reparto:  DA'VINE JOY RANDOLPH por Los que se quedan

*Mejor Diseño de vestuario: POBRES CRIATURAS de Holly Waddington

*Mejor Diseño de producción: POBRES CRIATURAS de James Price y Shona Heath, Decorados: Zsuzsa Mihalek

*Mejor Maquillaje y peluquería: POBRES CRIATURAS de Nadia Stacey, Mark Coulier y Josh Weston

*Mejor Dirección de Fotografía: OPPENHEIMER de Hoyte van Hoytema

*Mejor Montaje: OPPENHEIMER de Jennifer Lame

*Mejor Sonido: THE ZONE OF INTEREST de Tarn Willers y Johnnie Burn

*Mejor Banda sonora: OPPENHEIMER de Ludwig Göransson 

*Mejor canción original: What was I made for? de Barbie, Letra y música: Billie Eilish y Finneas O'Connell

*Mejores Efectos visuales: GODZILLA MINUS ONE de Takashi Yamazaki, Kiyoko Shibuya, Masaki Takahashi y Tatsuji Nojima

*Mejor Corto de animación: WAR IS OVER! Inspired by the music of John & Yoko de Dave Mullins y Brad Booker

*Mejor Película animada: THE BOY AND THE HERON de Hayao Miyazaki y Toshio Suzuki

*Mejor Corto documental: THE LAST REPAIR SHOP de Ben Proudfoot y Kris Bowers

*Mejor Largometraje documental: 20 DÍAS EN MARIÚPOL de Mstyslav Chernov, Michelle Mizner y Raney Aronson-Rath

*Mejor Cortometraje de ficción: THE WONDERFUL STORY OF HENRY SUGAR de Wes Anderson y Steven Rales

*Mejor Película de habla no inglesa: THE ZONE OF INTEREST de Jonathan Glazer por Gran Bretaña

Os dejo con un resumen de la gala.

Escenas míticas del cine (CCCXXXII)

Como decía ayer, en 1968 Gene Saks dirige a estos dos monstruos de la comedia, Jack Lemmon y Walter Matthau, en La extraña pareja, que se convirtió en clásico del género, no porque la película sea redonda, si no sobre todo por la química entre los dos actores, que hace que el film sea elevado a la categoría de grande. Está basada en la exitosa obra de teatro del mismo nombre, pero con un gran guión de Neil Simon. Una comedia clásica, de las que ya no se hacen, y que llegan al humor, a través de ingeniosos diálogos y situaciones divertidas, pero para nada cayendo en el risa fácil, y el socorrido caca, culo, pedo, pis. Dos divorciados deciden compartir apartamento en Nueva York, pero sus caracteres son antagónicos, y sus estilos de vida incompatibles. Uno obseso de la limpieza y el orden es Félix (Jack Lemmon) y Oscar (Walter Matthau) que es el típico que desordena todo a la velocidad de un rayo. En otra escena mítica Oscar tiene de invitados a sus amigotes a jugar a las cartas, en eso que mientras discute acaloradamente con ellos sobre a quién le debe dinero, y le llaman al teléfono, respondiendo que al habla está un divorciado, arruinado y chapuzero, al otro lado del aparato hay una mujer, a la que adula constantemente, para al final pasárselo a Murray (Herb Edelman) dicéndole que es su mujer...

Os dejo con la mítica escena.