lunes, 20 de octubre de 2014

Argo (2012)

Cartel del film

 
He de decir que Ben Affleck como actor la verdad es que nunca me ha parecido bueno, pero como director es un tipo que no lo está haciendo nada mal, para que voy a decir lo contrario. Ya con Adiós pequeña, Adiós (2007) y después con The town (Ciudad de ladrones) dejó claro que lo suyo era más la dirección que la interpretación. Y en Argo, hace un ejercicio de dirección excelente, aunque como actor siga sin llenarme, y eso que aquí no está mal del todo, pero sigue sin transmitirme. Su gran virtud en Argo, es que el tema que trata, no lo hace desde el punto de vista académico, por decirlo de alguna forma, ya que partiendo de una historia real dramática juega con los géneros que mejor se amoldan a la situación en cada momento, además de provocar el entretenimiento en el espectador y sobre todo mantener la tensión sobre lo que se nos está contando.





 
La historia trata de los hechos ocurridos en Irán en 1979, cuando la Embajada de Estados Unidos en Teherán es ocupada por seguidores fanáticos del Ayatolá Jomeini para pedir la extradición del Sha de Persia. De ese asalto salieron escondidos y posterioremente se refugiaron en la Embajada canadiense 6 diplomáticos de la americana. Con la situación así, se recurrió a un experto en rescatar rehenes por parte de la CIA y el gobierno canadiense, pero como situación singular se preparó el escenario para el rodaje de una película de ciencia-ficción "Argo", en la que participaba un equipo de cazatalentos de Hollywood. La misión era ir a Teherán, y hacer pasar a esos diplomáticos por un equipo de filmación canadiense para traerlos de vuelta a casa. Esa idea, al principio disparatada para la casa blanca, va tomando cuerpo cuando Tony Méndez (Ben Affleck) realiza su visita a Hollywood a ver a John Chambers (John Goodman) y Lester Siegel (Alan Arkin).







Para mi, un primer gran acierto es la breve introducción al clima político de Irán previo al ataque a la embajada americana en Teherán. Con sencillez se nos introduce en el escenario, evitando demonizar a la masa enfurecida, porque los iraníes estaban en su derecho de reaccionar así ante cualquier tema relacionado con Estado Unidos, ese es un punto clave. Los iraníes no son diablos.
Pero la gran mano de Affleck en la dirección, hace que no sature con el drama de la situación, así la parte cómica está en su justa medida, ya que es la mejor opción para esa "película inexistente" que ellos intentarán hacer creer hasta a la guardia republicana en el aeropuerto. Al final se convertirá en una mezcla de drama y thriller muy bien llevado y ejecutado.





 
 
También se aprecia el buen trabajo visual, muy bien ambientada en la época. Y ahora destaco el trabajo de Affleck como actor, sin duda, su mejor hasta la fecha, es creíble, siendo el absoluto protagonista de la acción, siendo el resto de actores completamente necesarios y por si fuera poco consigue un consensuado equilibrio que se nota en el film, todos a un nivel muy parecido.
A lo que me refiero con Affleck, y su trabajo como actor, es que no sólo se ha dejado barba y se ha caracterizado más normal, sino que aunque todavía no transmite como debería para mi gusto, si consigue hacer muy creíble su personaje, que además está aquejado de una situación familiar difícil y de ser un tipo siempre en la sombra para sus jefes.




 
Sin ser un film perfecto, cumple con ciertas condiciones de esas que la llevan a ser oscarizada, una historia real que sale bien para los americanos, y un orgullo que les gusta recordar.
 
Os dejo con el tráiler del film.

 

jueves, 16 de octubre de 2014

La Isla Mínima (2014)

Cartel del film

 
Alberto Rodríguez dirige este thriller policíaco que realmente me ha parecido excelente. Alberto es el representante del denominado nuevo cine andaluz, y comenzó a darse a conocer en algunos círculos de cine independiente español con una obra como El Factor Pilgrim, donde compartía realización con Santi Amadeo. Dos años después rueda su primera película, El Traje, pero es en 2005, cuando con 7 Vírgenes obtiene un gran éxito. Después After Party, que no fue muy publicitada. En Grupo 7 alcanzó su zenit en 2012, pero ahora se vuelve a superar.
Un puñetazo en la mesa me parece este film, que demuestra que en este país todavía se hacen películas de calado y mucha calidad, y además por si fuera poco, recupera un género algo devaluado como el policíaco negro, en el que los actores están simplemente sublimes.
 



Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo



 
Esta es una película, que consigue sobre todo mantenerte en tensión desde el inicio hasta su espeluznante final, cosa que muchas veces falla en otro tipo de películas.
La historia va sobre dos policías, ideológicamente opuestos, que son expedientados en 1980, y su sanción o castigo, consiste en ir a un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir, en Andalucía, a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes que han sido brutalmente violadas y asesinadas. Hablamos de una época en la que nuestro país, y más esta zona sureña, anda (y eso está reflejado en muchos detalles) muy anclada todavía en el peso franquista. Por si fuera poco, se enfrentan a un feroz asesino, que hará que ambos, en un trabajo arduo, y con mucha gente callando en la comunidad, traten de atraparlo.
 


Antonio de La Torre y Nerea Barros
 
 
 
La ambientación es fastuosa, de hecho detalles como el de la rudimentaria grabadora para grabar conversaciones de teléfono, los coches de la época rescatados de manera gloriosa, esa forma de visualizar la negritud de la España andaluza, tanto en sus entierros, como en sus videntes, en la manera en que se teje todo, es brutal.
En cierto sentido, este film bebe de series como Twin Peaks o True detective, pero con unas señas de identidad muy propias.
Las actuaciones son bestiales, un enorme Javier Gutiérrez, y un gran Raúl Arévalo, ambos increíbles en su papel, luego Antonio de La Torre más de secundario y Nerea Barros, los padres de las niñas desaparecidas, y ese nuevo fenómeno Jesús Castro que también apunta alto.



Jesús Castro

 
Abrumadora la descripción de esa España sórdida que hemos escuchado muchos hablar de oídas, de niñas violadas y desaparecidas (hay muchos casos hasta en los años 90 y en este siglo todavía) y nos quiere enseñar también la manera en que mucha gente quería quitarse el lastre de la dictadura, pero que en muchos aspectos, imágenes, cosas... costaba de cerrar y olvidar.
También tenemos un retrato feroz de la lucha de clases y obrera, y de como el jefe de la empresa de la zona (involucrado en la trama) sale siempre de puntillas de todo, además de seguir sodomizando con sueldos irrisorios a los trabajadores.




 
Pero lo mejor del film, cosa que se ve desde el principio hasta el final, es ese contraste de personalidades entre los dos policías, uno que viene de la Brigada Franquista y con un pasado bastante oscuro, y el otro con nuevos y prometedores ideales democráticos, y que estando muchas veces en las antípodas en el modo de manejar situaciones, y de afrontarlas en el trabajo, tienen evidentes puntos de conexión, y la siempre protección que ofrece el de mayor experiencia al que menos la tiene en múltiples detalles.
 
En definitiva, un muy recomendable film, de esos que te dejan con gran sabor de boca.
 
Os dejo con el tráiler.
 
 

miércoles, 15 de octubre de 2014

Mejores escenas cómicas del cine (XXII)

 
 
 
En 1937, los Hermanos Marx (ya reducidos a trío) Groucho, Harpo y Chico, protagonizan Un día en las carreras, una película extraordinaria que contiene algunas de las escenas cómicas más grandiosas de la historia del cine.
La propietaria de un hospital (Maureen O'Sullivan) está casi en la quiebra económica, por lo que depende del dinero de una millonaria (Margaret Dumont) o ceder el negocio a algún magnate que alivie su situación. En esas, aparecen los Hermanos Marx, encabezados por Groucho, veterinario que se hace pasar por doctor para ayudar a mantener en el hospital a la ricachona hipocondríaca.
 


 
Una escena grandiosa es cuando deciden apostar por su caballo para conseguir el dinero necesario, es entonces cuando un vendedor de helados "Chico Marx" (al rico helado de Tutti Frutti...), le hace el lío del siglo a Groucho para que apueste de manera enrevesada a lo que él le interesa.
 
Disfrutad de la memorable escena.
 
 

martes, 14 de octubre de 2014

Segundo aniversario de My Kingdom for a film.


 
Hace justo dos años que inauguré éste blog en el que hablo sobre cine, películas, cortos, series, escenas míticas, escenas cómicas, estrenos, noticias y demás.
La verdad es que cuando lo inicié, las expectativas eran muy modestas, y creo que con el paso de posts y tiempo la respuesta y la acogida está siendo muy sentida.

Os quiero dar las gracias a todos, a blogeros que son seguidores, comentaristas y lectores, a los que son blogeros, comentaristas y lectores, a los blogeros sólo lectores, a los que sin ser blogeros se hicieron seguidores, a los que no son ni blogeros, ni seguidores pero se pasan a leer o comentar, y también a aquellos que sólo leen aunque no dejen ningún comentario.

En la blogosfera he hecho amigos imborrables, que son ya para toda la vida (o eso creo) y que me han hecho sentir momentos muy buenos y los que espero queden, a todos os adoro.



   Chicas de Ellen Von Umberth

 
Este último año, por circunstancias personales, ha sido complicado para mi, y también justo en el momento actual, pero gracias a este pequeño espacio, y a mi viejo ya blog de música sigo vivo, que no es poco.
Hay gente que ya está de celebraciones... (como se observa en la foto de abajo) y es lógico, mantener un blog de cine 2 años, lo merece.
Aún recuerdo el primer post hablando de la película Drive, que me impulsó de manera definitiva a hablar de cine, a día de hoy, una película que me dejó huella como otras tantas.
Unas 22325 visitas, 272 entradas, un trabajo árduo, estoy bastante contento.
A todos vosotros va dedicado éste segundo aniversario.



Gente de celebración

 
 
Y como regalo para todos, os pongo la película Amor en conserva de 1949 y protagonizada por los Hermanos Marx (un título muy adecuado para mi ahora). Esta fue realmente la última película de los tres hermanos juntos. La película está basada en una historia original de Harpo Marx desarrollada por Ben Hetch. Iba a ser entera para él, pero los productores exigieron a Groucho y Chico.
 
 

   Cartel del film
 
 
El robo de unos diamantes pone en alerta a un torpe detective, Sam Grunion, quien tiene la misión de recuperar ese valioso collar. En plena investigación se encontrará con numerosos personajes variopintos, entre los que se encuentran dos jóvenes actores aspirantes a Broadway, los hermanos Marx.
 
 



Os dejo con la película.
 
 

jueves, 9 de octubre de 2014

La Môme (La Vie en Rose) (2007)

Cartel del film

 
Bautizada con el título original "La Môme", la película "La vida en rosa" es un largometraje francés estrenado en el 2007, un biopic sobre los avatares de la gran diva francesa. El guión adaptado por Isabelle Sobelman y Olivier Dahan, relató la vida de la famosa cantante parisina Edith Piaf (1915-1963), sin duda un icono de la música francesa y a nivel internacional. El nombre original del film, hace alusión al apodo de la cantante en el comienzo de su carrera.
Dirigida por Olivier Dahan, e interpretado en el papel principal por Marion Cotillard, que realmente lo borda, la película nos descubre todo el dolor que acompañó por siempre en su vida a esta figura, cuya voz era parecida a la de un gorrión, de ahí que se la apodara "The Little Sparrow".


Marion Cotillard (Edith Piaf)

 
En España se le dio el título de La vida en Rosa directamente, por una de las canciones más conocidas de su carrera, pero sin embargo, está lejos de la realidad del personaje ya que, esta cantante, tuvo ya desde pequeña una vida más bien en negro.
Si acaso, un verso de otra de sus célebres canciones, sí que se acercaría a la perfección a describir su biografía, como ella mismo dijo cuando los compositores se la presentaron, ya hacia el final de sus días: ‘Je ne regrette rien’. ‘La môme’, título original, hace alusión al primero de los nombres artísticos que le pusieron: “La môme Piaf” o “la niña Piaf” porque le encontraron parecido a un gorrioncillo y, en la región de la que ella era originaria, a esta ave se la llamaba así.





La película abarca todas su épocas, su infancia, donde su padre la dejaba en prostíbulos mientras él rodaba por ahí en su carromato haciendo "raras acrobacias", ya que su madre cantante la dejaba con su abuela que no la cuidaba bien (le daba vino en vez de leche), su adolescencia dónde cantaba por la calle con una amiga para ganar dinero, y su ascensión a la gloria a raíz de conocer a Louis Leplée (Gérard Depardieu) su verdadero descubridor.
De los barrios bajos de París, al éxito en Nueva York, la vida de la diva fue una lucha por sobrevivir, luchar y amar. Sus apasionados romances y amistades con las grandes personalidades de la época fueron sonados, Ives Montand, Jean Cocteau, Charles Aznavour, Marlene Dietrich, Marcel Cerdan, etc., hicieron elevar a Edith Piaf a la categoría del mito.
 



 
En realidad, el film de Olivier Dahan no está mal, pero no tiene nada de especial ni de original. Se trata de un biopic al uso, como tantos otros que ya estamos acostumbrados a ver. Y, al igual que con muchísimos otros films biográficos, ocurre que lo mejor de la película es lo que resulta realmente ajeno a ella, es decir, las canciones y la voz de la niña Piaf.
Además los continuos flashbacks y saltos temporales hacen que te pierdas un poco y debas estar atando cabos, lo que hace que sea algo discontinua sobre todo en su primera parte, además de guardarse información, que hace que estés siempre algo en fuera de juego.
Para mi, su desarrollo es algo lento, pero la gran actuación llena de realismo de la Cotillard le da un empaque tremendo.




 
No hay nada mejor que describa la biografía de la Piaf como la letra de la canción que inauguró su último recital... "No, je ne regrette rien":

No, nada de nada
 
No, no me arrepiento de nada
Ni el bien que me han hecho, ni el mal
Todo eso me da lo mismo
No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Está pagado, barrido, olvidado
Me da lo mismo el pasado
 
Con mis recuerdos
Yo prendí el fuego
Mis tristezas, mis placeres
Ya no tengo necesidad de ellos
Barridos mis amores
con sus trémolos
barridos para siempre
Vuelvo a partir de cero
 
No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Ni el bien que me han hecho, ni el mal
Todo eso me da lo mismo
No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Pues mi vida
mis alegrías
hoy
comienzan contigo…
 
 
Os dejo con el tráiler del film.

 

domingo, 5 de octubre de 2014

Torrente 5: Operación Eurovegas (2014)

Cartel del film

 
Muchas eran las razones para acudir al estreno de Torrente 5, primero una cosa muy importante y es que esta saga es ante todo una de las sátiras más feroces a lo peor de nuestro país, que sigue imperando en muchos lugares y que a pesar del extremismo del personaje creado por Santiago Segura, no está tan lejos de personas que existen en la realidad, pero segundo y muy importante, era el elenco elegido para esta quinta entrega, teniendo en cuenta que la cuarta falló en algunos aspectos. Dos actorazos como Julián López y Carlos Areces están sublimes, y la interpretación de Jesulín de Ubrique supera con creces mis pequeñas expectativas.
 



 
Y encima y por si fuera poco, el rescate de actores como Fernando Esteso, Andrés Pajares, y como no, el inconmensurable Alec Baldwin reclutado para la ocasión, han hecho que la película tenga muy buen nivel e incluso sea la más coral de todas, en detrimento de la chupada habitual de cámara de Torrente.
En el año 2018, Torrente sale de la cárcel y se encuentra realmente espantado ante una España muy convulsa y dividida. Para buscar respuestas en su foro interno, decide ser "un fuera de la ley", y para ello intenta asaltar un casino reclutando a una banda de incompetentes, a través de un contacto de su estancia en prisión, localiza a John Marshall (Baldwin), el cual supervisó la seguridad cuando se planificó el principal casino de Eurovegas.




 
Pero sobre todo, nos encontramos ante una película, que como toda celebración torrentiana, tiene una cosa muy importante, y es que recupera gags de una gran calidad, a pesar de volver a utilizar algúno antiguo, pero con gracia y porqué no decirlo, vuelve a ponernos en situación de el país en el que estamos. La crítica sigue siendo feroz a través de este personaje misógino, racista, fascista, putero y bastante tacaño, sobre todo en lo que concierne a lo que es la llamada Marca España, que confunde tanto al personal, ya que aquí siguen mandando el fútbol, la corrupción, tener un buen coche y una mujer guapa.



 
 
Destacables y memorables Julián López haciendo de Cuco (del que ya se ocupó Gabino Diego en la 2) y sobre todo Carlos Areces haciendo de Ricardito, el hermano del butanero (Florentino Fernández). De todas, sin duda es la película más depurada en toda su cruel desfachatez.
Muy destacable el homenaje al desaparecido Tony Leblanc, incluyendo un fragmento de una película suya antígua, más la aparición de Chus Lampreave, Neus Asensi, José Mota, Iñaki Gabilondo y un largo etc...


 
 
El culto a lo soez, basto y denigrante sigue siendo una seña de identidad que no abandonará a la saga, pero ésta vez, para mi con muchas cosas buenas. Yo desde luego pasé un rato de lo más divertido en la butaca.
 
Os dejo con el tráiler de la película comentado por Santiago Segura.
 
 

lunes, 29 de septiembre de 2014

Mejores escenas cómicas del cine (XXI)



 
En 1998 Santiago Segura dirigió su primer largometraje, Torrente, el brazo tonto de la ley, una película que con el paso de los años ha quedado como icono del cine casposo y desde luego un referente en cuanto a la taquilla que hizo, que rompió records, describiendo a un personaje no tan alejado de la realidad del país donde vivimos, como es el de Jose Luis Torrente, un ex-policía facha, machista, racista,  alcohólico, corrupto, ladrón y bastante negligente en cualquier función que se propone... ahhh y del Atleti.




 
Ya que es inminente el estreno de la quinta entrega, os dejo con una mítica escena de esta primera, en la que Torrente asiste en un supermercado al robo con intimidación a punta de recortada de dos ladrones (Jorge Sanz y Gabino Diego) en el momento que el aprovecha para robar y pirarse, para enlazar con su llegada al bar donde es atendido por Cañita Brava, al que adeuda las famosas 6000 pesetas de whiskey.
 
Disfrutad de esta parte de la película.

 

domingo, 28 de septiembre de 2014

Cañita Brava desvela la trama de Torrente 5.


 
 
El viernes 3 de octubre, se estrena Torrente 5: Operación Eurovegas, la quinta entrega de la exitosa saga, perpetrada por Santiago Segura. Y Cañita Brava es de los pocos personajes que puede decir que ha participado en todas ellas, junto con el propio director. Pero claro, Cañita es un personaje en si mismo, músico, compositor, actor... y musa de Santiago, tiene una particular manera de explicar, con su propio lenguaje y palabros, la trama de la película. Ciertamente me recuerda mucho a Cándida, la reportera dicharachera de cine de los míticos Gomaespuma.




 
Manolo González Savín, es un gallego que se hizo famoso en el programa El semáforo (1995-1999) que presentaba el desaparecido Jordi Estadella. Su alter ego "Cañita Brava" le tendió un puente con el mundo del cine gracias a Santiago, que a día de hoy sigue utilizando.
Como bien dice en el vídeo Mr.Segura, "quien soy yo para desdecir a Cañita"...
 
Pues eso, disfrutad de este vídeo... cuento los días.
 
 

sábado, 27 de septiembre de 2014

No habrá paz para los malvados (2011)

Cartel del film


 
Mucho se habló en su día de este film de Enrique Urbizu, muy galardonado en los Goya en su momento, y ya que en su día no pude verla, paso a dar mi opinión de mi visionado de anoche.
El comienzo del film es apabullante, con una escena que impacta por su dureza, donde Santos Trinidad (José Coronado) se lía a tiros en un puticlub, dónde había entrado tarde a tomarse la última copa. Borra sus huellas, se lleva el cd de la grabación de la cámara, pero alguien le ve y se escapa, persona a la que estará toda la película persiguiendo. Su labor teórica es buscar a una chica desaparecida, junto a su compañero Rodolfo (Rodolfo Sancho), ya que hace tiempo anda destinado en esa sección de la policía.
Hablamos de una película que estaría temporalmente situada a principios del siglo XXI.
 


Santos Trinidad (José Coronado)


 
Pero Santos Trinidad es un policía que en su día tuvo condecoraciones al mérito, medallas y demás, incluso perteneció a las fuerzas especiales. Una turbulenta estancia en Colombia, muertes de algunos compañeros y su divorcio (cosas que casi se quedan en el tintero sin explicar bien del todo) le llevaron incluso a estar en tratamiento psicológico, y a retirarse de la primera línea. Ahora, vaga por los bares, tomando pelotazos (a las que nunca echa más de un cuarto de coca cola) en cantidades enormes y va realmente a su bola, con poco compañerismo y con un carácter distante y hasta arisco. Coronado, este tipo de policías pasados de rosca y corruptos, los borda, como ya hiciera en La Caja 507, por ejemplo.



Primera escena


Los actores que completan la película están extraordinarios, Rodolfo Sancho, el compañero de Santos Trinidad, al que cubre constantemente sin recibir nada a cambio, Juanjo Artero que hace de Leiva, el policía judicial que está a las órdenes de la jueza Chacón (Helena Miquel) que avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino hasta que comienza a sospechar que, lo que parecía un simple caso de ajuste de cuentas entre narcotraficantes colombianos es, aparentemente, algo mucho más importante y peligroso, y como no, Ontiveros (Pedro María Sánchez) que hace de jefe de la policía.



 Rodolfo (Rodolfo Sancho) y Leiva (Juanjo Artero)


El problema que tiene para mi la película, es que después de un comienzo tan bueno, va bajando en intensidad y en algún momento donde Santos da bandazos en su autoinvestigación, y el film pide a gritos un cambio de ritmo, pero ese cambio sólo está reservado para la escena final. Por medio hay planificación de un atentado terrorista por integristas islámicos, tráfico de drogas, caída a los infiernos del protagonista, descoordinación entre departamentos de policía, etc., pero el film en esa parte central pierde fuerza con demasiados interrogatorios. El guión es abierto y amplio de miras, pero deja al protagonista que solucione la situación a su manera.





Lo que queda claro es que Coronado ha pasado de galán de teleserie a un cincuentón muy atractivo que además está en un momento excelso a la hora de interpretar, un Juanjo Artero que ha pasado de Verano Azul a ser el policía perfecto y la sobriedad de Helena Miquel, que a pesar de hacer su trabajo con mucho rigor también tiene un lado humano. Y Rodolfo Sancho, que está cada vez cogiendo más galones dentro del cine.
Una película que para mi no acaba de cuajar, aunque tiene escenas y detalles que se quedarán siempre en mi cabeza.
Para la memoria, inolvidable escena la última, con un Santos sentado en la silla al lado de la piscina, con la pistola colgada del dedo y el amanecer iluminando su cara mustia.
 
Os dejo con el tráiler.
 
 

jueves, 25 de septiembre de 2014

Jersey Boys (2014)

Cartel del film

 
Ayer hablaba de una de las últimas cintas de Clint Eastwood, que iba sobre la muerte y como hablar con los seres queridos a través de personas con esa habilidad, pero la nueva película del genio americano vuelve a cambiar el registro y en esta ocasión demuestra otra vez su versatilidad, lo mutante que es, y como sus films siempre dan en el clavo.
Aquí, esta película, está basada en el musical homónimo ganador de un premio Tony, Jersey Boys, cuenta la historia de los Four Seasons, un grupo musical de los años 50. La película es un viaje a través de su carrera profesional y su vida personal, los duros momentos que atravesaron, sus enfrentamientos y el triunfo de un grupo de amigos cuya música llegó a marcar el símbolo de toda una generación.


  85 palos y está hecho un chaval


Lejos de ser un simple concierto tributo, el film se centra en la relación entre los miembros del grupo y especialmente en Frankie Valli (John Lloyd Young, que borda el falsete del cantante original), el menor de ellos, cuya inclusión en el grupo por el malote del mismo Tommy DeVito (Vincent Piazza) como mentor al principio, se le volverá en contra con el tiempo, ya que será quien mande en la banda. El grupo, era una banda de armonías vocales propia de su época, los años 50.
Pero, cómo trata Clint los duros comienzos (inclusiones en la trena incluídas), el ascenso, la fama, el disfrute de ella y la posterior decadencia es digno de elogio, y todo ello con gran ritmo y enorme sapiencia.


The Four Seasons

 
Clint Eastwood es un amante de la música, no en vano es compositor de varios temas de sus películas destacando la fabulosa banda sonora de la obra maestra Sin Perdón (1992). Además, tiene en su haber un fantástico y oscuro biopic de una de las figuras más emblemáticas del jazz, Charlie Parker, plasmado en Bird (1988), y pos si fuera poco cantaba el tema final de Gran Torino (2008). Por tanto, no es de extrañar su interés por esta historia, que venía respaldado por su tremendo éxito en Broadway.
Especial mención he de dedicar a un ya veterano, pero enorme actor como Christopher Walken, que interpreta al mafioso Gyp DeCarlo, y que simplemente está soberbio, en un papel clave en el desarrollo del grupo, sobre todo cuando tienen serios problemas de liquidez.




La fase final con el trágico suceso de la muerte de Francine, hija de Frankie, por sobredosis de pastillas, y la interpretación espectacular del mismo Frankie, con banda de vientos, de Can't take my eyes off you, pierde algo de la fuerza inicial, para ser algo más convencional, pero está claro que este biopic, sin ser una de las mejores películas de Eastwood aporta cosas muy buenas, y está muy bien hecha.
No olvido el tremendo detalle de Clint, de sacarse a él mismo super jóven en un film del oeste en la televisión, en una escena dentro de un hotel.

Os dejo con el tráiler del film.
 
 

miércoles, 24 de septiembre de 2014

Hereafter (2010)

Cartel del film


 
Clint Eastwood como director demuestra a pasos agigantados que es un maestro, pero además consigue tener ya tantos registros, que de verdad a veces es irreconocible. Si con los Puentes de Madison o Million Dóllar Baby nos estremeció, en la primera con una película tan particular, tierna y su tremenda historia, mientras en la segunda la desgarradora vivencia de la boxeadora no dejaba indiferente a nadie. Pero por si fuera poco, en 2010, se saca de la manga Más allá de la vida, con guión de Peter Morgan y Matt Damon como actor principal de la cinta, actor con el que ya trabajó en Invictus anteriormente. Una película acerca de su visión de lo que hay cuando nos morimos, y el contacto que algunas personas dicen tener sobre esos seres queridos que ya no están, los parapsicólogos.





Ya retirado practicamente de la interpretación, Clint Eastwood, en su momento más prolífico como realizador, suena hasta natural que a un hombre que lo ha logrado todo en el cine, le apetezca plasmar su visión de un tema tan trascendente como el más allá. A través de 3 historias ambientadas en medio mundo, el mito se acerca a las diferentes concepciones existentes sobre lo que nos espera cuando morimos. Una periodista al borde de la muerte (Cécile de France), un niño inglés (Geroge McClaren) con una pérdida reciente de su hermano gemelo y un médium (Matt Damon) que no comprende sus habilidades naturales, e intenta huir de esa virtud que le condiciona su vida, son los tres ejes en torno a los que se estructura un estudio en toda regla de uno de los mayores misterios de la humanidad.





En cuanto al desarrollo de la película, técnicamente es otro prodigio de Eastwood, cosa a la que nos tiene ya muy bien acostumbrados, además de sus contínuos cambios de registro. El entrelazado de las tres vivencias, que en buena parte del film no entiendes su conexión, aunque la intuyes, y el posterior cruce de todas mantiene el interés, aunque de las 3 historias me cojea un poco la de la francesa Marie y su obvio cambio de perspectiva profesional debido a su experiencia después de sobrevivir al Tsunami de Indonesia, quizás la más plomiza, a pesar de ese comienzo espectacular del film.




 
Las otras dos historias paralelas tienen mayor encanto, por un lado el interés que provoca el sobrenatural don de George (un Matt Damon que me parece que está tremendo en ese papel) que él niega que sea un don, y por otro la emotiva historia de los gemelos ingleses, la más efectiva de las tres y la que se introduce mejor en nuestras mentes. El argumento integra las vivencias con ritmo, con la experiencia con la muerte como el eje central de todas ellas, lo que provoca también preguntas para las que no hay respuesta, además de mostrar sensaciones de tristeza, amor, confusión, y porqué no decirlo, cierta incredulidad.
La cinta arroja argumentos científicos, filosóficos y curiosamente, intenta huir de la perspectiva religiosa, pero en ningún momento deja de decantarse por la concepción más clásica del más allá. Y eso si, deja muy claro, lo indefensas que están muchas personas cuando pierden a sus seres queridos, y como muchas personas dicen tener "el don de hablar con los muertos" y realmente son estafadores (cosa que se ve muy bien en la búsqueda del niño pequeño).



 
Sin ser el mejor trabajo de Eastwood, le achaco que quizás es demasiado larga en duración y en algún momento algo lenta, pero como siempre acertada dirección del genio en un film sencillo y bien narrado.
 
Os dejo con el tráiler.

 

martes, 23 de septiembre de 2014

Mike's new car (2002)




En el año 2002 Peter Docter y Roger Gould dirigen el corto Mike's new car (El coche nuevo de Mike) de Pixar, protagonizado por Sullivan y Mike, que a su vez lo eran de la película Monsters, Inc. El guión, curiosamente es de Billy Cristal y John Goodman.
Mike Wazoski llama a Sulley (con los ojos tapados) y cuando los abre descubre que está junto a un coche lujoso y moderno de 6 ruedas. Sulley comprende que ha vendido su antiguo coche por este que tiene tracción a las 6 ruedas, Mike todo contento y emocionado le pide que suba, lo hace, pero no cabe, y él le dice que es regulable, pero después de mover el asiento muchas veces se irrita. Cuando Mike arranca el coche, empieza a sonar una especie de pitido avisando ponerse el cinturón del conductor, él al intentar ponerse el cinturón este se atora, al menearlo Mike por accidente lo suelta y sale fuera del coche. A partir de ahí si algo puede ir mal, va a peor...
 
 



 
Os dejo con este divertidísimo corto de estos dos cachondos.

 

viernes, 19 de septiembre de 2014

Escenas míticas del cine (XXVIII)



 
En 1995 Martin Scorsese realiza la que para mi es la segunda parte no oficial de Uno de los nuestros, ya que tanto Robert de Niro como Joe Pesci hacen personajes muy parecidos, sin embargo se incorpora la estupenda Sharon Stone y desaparece Ray Liotta. Destaca de manera increíble James Woods como secundario.
En 1973, en Las Vegas, Sam "Ace" Rothstein (Robert de Niro), un profesional de las apuestas y judío, es el eficaz director de un importante casino que pertenece a un grupo de mafiosos. Su misión es controlar que el negocio vaya bien, y que las ingentes cantidades de dinero llegue a los grandes jefes como es habitual.
Las Vegas es lugar de millonarios, políticos, pero también de tahúres, prestamistas, pícaros, traficantes de drogas y matones. Es entonces cuando Nicky Santoro (Joe Pesci), al que sus jefes han dicho que cuide de Sam, llega a la ciudad con intención de quedarse. Pero claro, Nicky va creciendo, y aparte de tener la confianza de Sam, tiene sus trapicheos y va por libre, lo que le va creando sus enemistades, y que los grandes jefes desconfíen de él.
 



 
La escena de la que os hablo, al final de la película, es una de las más duras que he visto, sonando el The House of the rising sun de los Animals, se ve como los que eran sus compinches de curro, apalean con bates de beisbol a Nicky y su hermano y los entierran todavía vivos, ya que se habían pasado de la raya. Increíble como la voz de Joe Pesci que describía el encuentro... es sustituída por la de Robert de Niro.
 
Os dejo con esta mítica escena.
 
 

jueves, 11 de septiembre de 2014

Ha muerto Richard Kiel.



El actor Richard Kiel falleció ayer a los 74 años de edad, en el hospital de Fresno (California) donde estaba ingresado, tras haberse roto la pierna al caerse de un caballo a principios de semana, pero se desconoce si las posibles complicaciones de este incidente están relacionadas con su fallecimiento. Un actor conocido y lanzado a la fama por su mítico papel de Tiburón en los filmes de James Bond, esa gigantesca amenaza dentada que se enfrentó a Roger Moore en La espía que me amó (1977) y Moonraker (1979).
El actor, nacido en Michigan, deja tras de sí una carrera de 50 años con apariciones testimoniales pero memorables dada su enorme estatura (2,17 metros) en películas como El Jinete Pálido, de Clint Eastwood, dónde por cierto recibe un golpe del Predicador... de lo más doloroso. Debido a su físico se vio forzado a realizar papeles prototípicos, como gánster y personajes antagonistas como en El Expreso de Chicago, donde interpretaba a un sicario de dientes metálicos (papel anterior al de Tiburón en James Bond). Eso le hizo encasillarse algo en papeles de malo, pero siempre con un fondo noble.




 
Él mismo rechazaba su papel en las películas de James Bond como el mejor, de hecho contaba esto: "Mi mejor papel fue probablemente el de Capitán Huracán Drazak en Fuerza 10 de Navarone. Muchos ni siquiera saben que soy yo, porque yo llevaba una barba y un gran traje".
 
Os dejo con la escena de Moonraker dónde luchan James Bond y Tiburón en el teleférico.