miércoles, 16 de abril de 2014

Escenas míticas del cine (XX)

 
 
La película que tendría que ser un clásico en Semana Santa es El exorcista de 1973, y casi nunca la ponen... ¿porqué será? (como decía La Bombi, Fedra Lorente, en el 1, 2, 3). Fue una adaptación de la novela de William Peter Blatty, inspirada en un exorcismo real ocurrido en Washington en 1949. Regan (Linda Blair) es una niña de 12 años, víctima de fenómenos paranormales como la levitación o la manifestación de una fuerza sobrehumana. La madre aterrorizada, tras someter a su hija a múltiples médicos, y sin resultados, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría, el padre Karras (Jason Miller), cuya convicción de que el mal no es físico sino espiritual, entiende que la niña está poseída por el diablo. A partir de ahí, decide con la ayuda de otro sacerdote (Padre Merrin, protagonizado por Max Von Sydow), practicar un exorcismo.
Inolvidable también la banda sonora de Mike Oldfield con su Tubular Bells.


Regan (Linda Blair)
 
 
Con el paso del tiempo, hubo una cuestión que fue casi una maldición, y así sucedió con su protagonista, Linda Blair, quien rodó la película para pagarse sus estudios de veterinaria. Debido al exitazo del film, por el que estuvo nominada al Óscar a mejor actriz de reparto y le dieron el Globo de oro en 1974, eso provocó que este papel condicionara para siempre su carrera. Después de rodar Aeropuerto 75 del género de catástrofe, tiene una relación sentimental con 15 años (¡válgame la paya!) con un cantante australiano. La segunda parte del Exorcista fue un fracaso total. A partir de ahí, aumento de peso, rechazada para papeles, asuntos de drogas y su aparición desnuda en playboy en 1983... vamos que la niña no creció tan fea como en la película, ni mucho menos. De ahí en adelante, poco más relevante hizo.
 
 
 
 Linda Blair, 1983
 
 
En fin, que me desvío del tema, voy a recordar una escena del film en cuestión, que con el paso de los años se ha convertido en un clásico del cine de terror.
Es uno de los momentos en el que el padre Karras intenta grabar y dialogar con el diablo que la niña lleva dentro, todo incluído en el proceso de exorcismo.
 
 

lunes, 14 de abril de 2014

Escenas míticas del cine (XIX)


 
 
Estamos ya en Semana Santa (muy tardía este año), y un clásico en estas fechas es el film Ben-Hur, dirigido por William Wyler en 1959, que además es posiblemente mi preferido.
La acción se desarrolla durante el Imperio Romano cuando gobernaban los emperadores Augusto y Tiberio. Judá Ben-Hur (Charlton Heston) es hijo de una familia noble de Jerusalén, y Mesala (Stephen Boyd) un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación en esa zona. Son dos antiguos amigos, pero un accidente involuntario los convierte en enemigos para siempre e irreconciliables, ya que Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Incluso Ben-Hur es trasladado a galeras a cumplir su condena (dónde conoce a Jesús de Nazaret).
 



 
La escena mítica de la que hablo es cuando Mesala recibe en su casa regalos de un cónsul, es Ben-Hur, que ha recuperado la libertad y sustituye en el cargo al que fue el comandante de su nave cuando estaba preso. Es ese momento mítico en el que Ben-Hur le pregunta a Mesala dónde están (5 años después) su madre y su hermana.

Disfrutad de esta magnífica escena dónde ambos se reencuentran.
 
 

viernes, 11 de abril de 2014

Ocho apellidos vascos (2014)

Cartel del film
 
 
La nueva película de Emilio Martínez Lázaro con guión de Borja Cobeaga y Diego San José está demostrando ser un acierto total. Yo había oído de todo sobre la película, pero ayer la vi y mi sensación fue la de pasármelo bastante bien y en muchos momentos reírme a carcajadas, y no creo que el sentido de la película vaya más allá, por tanto, acierto pleno ya que intenta hacer que pases un rato divertido y lo consigue con creces, en base a tirar de bromas a costa de los tópicos andaluces y vascos, pero con mucha gracia. No veo nada fácil el utilizar esos tópicos y que queden bien en una película, pero aquí, y esa es creo la clave de su éxito, no resulta ni banal ni empalagoso, sino gracioso y original mezclado con la historia que te cuenta el film.
 
 

Dani Rovira (Rafa y Antxón)

 
Rafa (Dani Rovira) es un joven señorito andaluz, fanático del Betis, del fino, la gomina y las mujeres, que jamás ha tenido que salir de Sevilla para conseguir todo eso. Pero todo da un giro cuando conoce a la primera mujer que se le resiste de primeras, Amaia (Clara Lago), una chica vasca guapísima que está de "despedida de soltera en Sevilla". Esa noche acaban juntos, y duermen sin más, aunque ella olvida su bolso que será el reclamo para ir a "Las Vascongadas" a buscarla, porque se ha enamorado de ella. Allí se hará pasar por vasco, para conseguir que le haga caso, se hace llamar Antxón seguido de varios apellidos vascos, a saber, Igartiburu, Urdangarín, Gabilondo, Arguiñano, Zubizarreta, Erentxun, Otegui... y Clemente.




Clara Lago (Amaia)

 
La eficacia cómica en varios apuntes que hace Rovira sobre el aspecto de Clara Lago (muy convincente en su rol de vasca arisca), el tema de los acentos (dónde Rovira cambia el tono de manera magistral y la verdad está excelso) ante un guión que es sencillo pero bien llevado a cabo. Tampoco hablamos de una película dónde la fotografía sea espectacular ni nada parecido, pero es que no le hace falta. Mención aparte es el trabajo de Karra Elejalde, que está simplemente espectacular encarnando al vasco bruto, con una experiencia y un regusto de actor que va sobrado realmente, a destacar. Hace de Koldo, el padre de Amaia, con la que ha tenido una relación no del todo buena.



 Clara Lago (Amaia) y Karra Elejalde (Koldo)
 
 
 
En la película que se monta Amaia, le presenta a su padre al que es su novio Antxón, al que acepta, no sin problemas, al principio con el que se va a casar, y a la que se hace pasar por su madre, Merche cambiada a Anne (Carmen Machi) también deliciosamente estupenda, en ese papel de mujer viuda de un guardia civil y hambrienta de amor. Entre todo esto subyace el tema de Antxón que se ha hecho famosete e incluso cabecilla entre los jóvenes de la Kale Borroka del pueblo, Argoitia, tratando el tema de ETA con fines cómicos, un tema escabroso, que puede levantar polémica o no, pero que aquí son represntados por gente maleable, poco avispadas y bastante inofensivas.
 


 Dani Rovira, Clara Lago y Carmen Machi (Merche)
 
 
Si que resulta algo decepcionante, que todo acabe derivando hacia una comedia romántica convencional en la parte final, pero es ahí (y antes) dónde los personajes de Alfonso Sánchez y Alberto López (amigos de Rafa), resultan brillantes haciendo que no sea más de lo mismo en ese terreno.
 
En definitiva, sin ser la comedia del siglo, te pasas hora y media divertida con sus tópicos bien conjugados. Tanto si eres vasco como sevillano, puede que muchos de esos gags no te hagan demasiada gracia, pero eso no debe limitar para nada las risas y el pasarlo bien en una película para disfrutar.
 
Os dejo con el tráiler del film.
 
 

lunes, 7 de abril de 2014

Ayer nos dejó Mickey Rooney.

Rooney de joven
 
 
La carrera de Rooney es posiblemente de las más prolíficas de Hollywood. A los 17 meses debuta en un musical, empezó en el cine en 1926 cuando las películas eran mudas, con 6 años, además de participar con su cara aniñada en algunas de los films más míticos del Séptimo Arte. Tenía dos películas en cartera para estrenar, y varios proyectos pendientes, cuando la muerte le ha visitado a los 93 años.
Rooney, además y por si fuera poco, era una figura muy popular en Estados Unidos, ya que su imagen de crío gamberrete y luego a la vez de viejo cascarrabias, ha pasado por todas las generaciones mientras él trabajaba incansablemente en cine, televisión y teatro, acumulando premios y candidaturas (tuvo 4 nominaciones a los Óscar y le dieron uno honorífico en 1982).



En Desayuno con diamantes
 
 
 
Decir que en la vida real, el bueno de Mickey no paró con las mujeres y se casó hasta 8 veces (estilo Tony Curtis) con Ava Gadner (duraron un año), Betty Jane Rase, Martha Vickers, Elaine Devry, Carolyn Mitchell, Margaret Lane, Carolyn Hockett y Jan Rooney su mujer hasta ayer. Siempre le persiguió su fama de vividor, de tener buena labia con la que debió conquitarlas a todas, un tipo también, con carácter irascible, como recuerda gente que trabajó con él en España en La vida Láctea de Juan Esterlich.
 
 
 
 
Rooney ya mayor 
 
 
Des su filmografía hay mucho que destacar, sus inicios cuando encarnó al personaje de Clark Gable, cuando era niño, en El enemigo público número 1. En 1934 cuando ficha por la Metro, hizo El pequeño Lord, El sueño de una noche de verano o Capitanes Intrépidos (con Spencer Tracy) y es ahí cuando le viene el éxito en 1937, cuando encarna a Andy Hardy, el hijo de un juez en El honor de la familia. Este film lanzado como serie B, tuvo tanto éxito que tuvo 13 secuelas entre 1937 y 1946 y aún en 1958 se rodó otra más. En 1938 rodó Forja de hombres (otra vez con Spencer Tracy) o la Ciudad de los muchachos en 1941.
Sus 4 nominaciones al Óscar fueron por Babe in arms de 1939, The human comedy de 1943, The bold and the brave de 1956 y The black Stallion de 1978.
Desde Desayuno con diamantes de 1961 con un papel secundario genial, enlaza Babe, el cerdito en la ciudad, Noche en el museo o The Muppets que alterna con apariciones en shows de televisión, incluso en los 80 participó en las series como Vacaciones en el mar (1982), Las chicas de oro (1988), Se ha escrito un crimen (1993) o Urgencias (1998).
 
Como homenaje os dejo con la película El pequeño Lord de 1936, donde Rooney sólo tenía 10 años. Producida por Selznick, la película de marcado carácter familiar, es una de las primeras producciones del mismo para su propio estudio. La dirige John Cromwell.
 
 

jueves, 3 de abril de 2014

The Grand Budapest Hotel (2014)

 Cartel del film
 
 
 
Wes Anderson, no es un director al que haya prestado demasiada atención hasta ahora, pero he de reconocer, que a partir de el visionado de su última cinta, algo va a cambiar y para mejor. Se trata de un film detallista, diría que hasta el exceso, calculado al milímetro, estudiado hasta límites insospechados, para que el espectador disfrute de su visionado como si de un poema se tratase, con rimas y sílabas numeradas, además de disponer para ello de uno de los mejores repartos que se pueden tener a día de hoy en el cine: Ralph Fiennes, Edward Norton, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Jude Law, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Tom Wilkinson, Bill Murray, etc., además del descubrimiento de dos actores Tony Revolori y Saoirse Ronan.
 





 
Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, enseña, dirige y aconseja, además de entablar buena amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte con el paso del tiempo en su protegido y que además narra la historia. Gustave dirige el hotel atrayendo a viejas mujeres ricas, siempre rubias, a las que satisface todos sus deseos. La historia trata sobre el robo y recuperación de una pintura renacentista de mucho valor, que deja en herencia una de sus huéspedes, Madame D. (Tilda Swinton a la que maquillan de miedo) a Gustave H., pero que provoca una batalla que enfrenta a miembros de la familia de ella por la inmensa fortuna. Todo esto transcurre en una época convulsa en Europa, con levantamientos militares de todo tipo, que acabaron en Guerras Mundiales. Tanto el país dónde se sitúa el hotel, como los ejércitos tienen nombres diferentes, es decir, son inventados.




Ralph Fiennes


La película juega con el argumento narrando adelante y atrás en la historia, dando saltos temporales, abriendo líneas argumentales, y presentando personajes sin solución de continuidad, para luego poco a poco ir cerrando las tramas, como si de un soneto perfecto se tratara. Y en el centro de la trama, mientras se resuelve el misterio, la gran historia individual de un chavalito delgadito y poca cosa, que de botones de vestíbulo pasó a ser el propietario del legendario Gran Hotel Budapest. El director está sublime al dejar que sus personajes hagan locuras, sean libres, y derrochen ironía, surrealismo e incluso situaciones absurdas de lo más graciosas.
 



 
 
Los actores están inmensos, y muy bien dirigidos, esa es la verdad. Ralph Fiennes vuelve a demostrar por enésima vez que su personaje es perfectamente creíble, aún en las situaciones más inverosímiles y con ese toque de finura y poético que le hace casi cursi. Willem Dafoe está soberbio (casi parece un vampiro) haciendo de malo malísimo, encargado de llevar a cabo el trabajo sucio encomendado por el hijo de la difunta. Pero Tony Revolori, lleva el peso del argumento de manera increíble, sin que decaiga en ningún instante. La lista de apariciones, ya la dije al principio, algunas son casi cameos, en definitiva son secundarios de lujo con pequeños papeles muy acertados.



Tony Revolori & Saoirse Ronan

 
 
Aunque el film es de un corte clásico brutal, es sin duda una película accesible y diría que comercial, y desde luego divertida a rabiar, yo me reí muchísimo. Entre el encuadre de algunas escenas, la distribución de los personajes, los giros argumentales, homenajes a grandes del cine cómico como los Hemanos Marx (la trama de la cárcel), o incluso La gran Evasión, etc...
Que no se me olvide el tema colorístico que domina todo el film, una gama que va desde el rosa y el morado, del verde al rojo, pasando por el gris y el azul... que hace que disfrutes de cada rincón de un hotel con encanto y cierta bella decadencia.
 


 
 
Os dejo con el tráiler de ésta muy recomendable película, llena de detalles preciosos que te deja con una sonrisa en la cara y un dulce sabor de boca.
 
 

lunes, 31 de marzo de 2014

The true story of the Eiffel Tower (2009)

 
 
Hoy se cumplen 125 años de la inauguración de la Torre Eiffel, una de las 7 maravillas del mundo. 21 salvas de cañón retumbaron en el cielo de París el 31 de marzo de 1889 cuando Alexander Gustav Eiffel izó la bandera tricolor en la torre de metal que todavía no llevaba su nombre. 318 metros de altura, que en su momento le hizo el monumento más alto del mundo, pero que hoy sigue conservando una magia especial, y cuya subida recomiendo a todo el mundo, algo inolvidable.
Como homenaje a la efeméride, hablo de un documental que se hizo en 2009, acerca de la construcción de la famosa torre parisina.


 Panorámica en ojo de pez de la Torre Eiffel
 
 
Esta película documental nos ofrece una visión sobre los avatares y problemas que surgieron en torno a la construcción del monumento mas visitado del mundo. Desde el proyecto inicial de Eiffel, pasando por la controversia y la negativa de los artistas de la época, así como las suspicacias creadas en el propio gobierno francés por su construcción. La Torre Eiffel es una estructura diseñada por el ingeniero francés Alexander Gustav Eiffel con ocasión de la Exposición universal de 1889 en París.  


Gustav Eiffel
 
 
Os dejo con este magnífico documental.
 

jueves, 27 de marzo de 2014

Dallas Buyers Club (2013)

Cartel del film

 
 
Este film dirigido por Jean-Marc Vallée fue la auténtica revelación de la última gala de los Óscars, dónde estuvo nominada a mejor película y consiguió tres estatuillas, mejor actor (Matthew McConaughey), mejor actor de reparto (Jared Leto) y mejor maquillaje y peluquería. Y la verdad sea dicha, después de ver el film, he de admitir que el Óscar de Matthew es lógico, por dos aspectos fundamentales, primero porque lo borda, así de sencillo, es un actor de muchísimo carisma, y segundo porque este tipo de personajes marginales y con problemas son los predilectos para la Academia (recordemos el de Jeff Bridges en Crazy heart, por ejemplo). En el caso de Jared Leto es innegable su gran actuación, pero no me parece que tenga tanto empaque para un Óscar, aunque aquí ya van muchos matices de por medio, desde luego no cualquier actor hace tan bien de travesti, ni con tanta ternura. En lo del maquillaje, estoy muy conforme, ambos personajes y las fases que pasan por la enfermedad están muy bien hechos.



 Matthew McConaughey

 
El film cuenta la historia real y verídica de Ron Woodroof (Matthew McConaughey), electricista, apostador en el rodeo, adicto a las drogas, putero y homófobo, a quien diagnostican en el año 1986 el VIH, cuando todavía había mucha confusión en torno a la enfermedad, tanto en la sociedad, como en el ambiente médico y de investigación. A él le dan 30 días de vida, y desesperado comienza a tratarse con AZT, un medicamento en fase de prueba, con efectos secundarios y no probado del todo en humanos, que él consigue a espaldas del hospital. La alta mezcla de ese medicamento con las drogas (que no dejaba) están a punto de matarle. A partir de ahí se va a México, dónde un doctor al que retiraron la licencia, ejerce en un hospital pequeño, y advierte a Ron de lo tóxico que es el AZT, descubriendo alternativas, no aprobadas por la FDA, con las que se empieza a tratar y a traficar con ellas, para ayudar a más personas que están en la misma situación, teniendo como socio a Rayon (Jared Leto), un travesti que conoce en el hospital, muy enganchado a las drogas y que le ayudará a la captación de clientes.
El giro en la carrera de McConaughey ha sido para bien, dejó de elegir papeles sin trascendencia para darlo todo por éste papel, adelgazó y se lo curró, eso que hemos ganado.
 


 Jennifer Garner


En esa situación que se crea, hay un personaje clave, Eve, interpretado por una actriz felizmente recuperada para la gran pantalla, Jennifer Garner, que está simplemente magistral, en el papel de la doctora que, estando en desacuerdo con los métodos de la dirección del hospital, decide ponerse (incluso perdiendo su puesto de trabajo) del lado de Ron y Rayon. Es en este aspecto, en el de la crítica que se hace sobre el papel que tuvieron (y siguen teniendo a día de hoy) las farmacéuticas que pagaban mucho dinero a los hospitales, para que ciertos medicamentos fueran probados en humanos sin saberse las consecuencias a largo plazo, en el que me parece que el film está acertadísimo.


Jared Leto & Matthew McConaughey

 
Hay que tener en cuenta un aspecto fundamental y es que esta película se empezó a pensar en 1992, a la par que se gestaba Philadelphia y justo después de la muerte del protagonista, pero por diferentes motivos, no se ha podido llevar el proyecto a cabo hasta el año pasado.
Para mi, uno de los aciertos de esta gran película es recuperar ese espíritu de aquella época, en la que el hombre se enfrentaba al sistema, buscaba huecos legales para los que la legislación vigente entonces no estaba preparada y centrándose en el caso concreto de Ron, que ayudaba a la gente con los fármacos, eso si, previo pago de la cuota (nunca dejó de negociar con aquello).
En el terreno musical, la banda sonora es muy acertada, y esa mitomanía de Rayon con Marc Bolan (líder de T-Rex) como icono del glam y de esa estética que a los travestis les encanta de fulares, estampados de leopardo, chisteras, botas de pluma, purpurina y kilos de maquillaje. Precioso momento del final de Rayon sonando Life is strange.
 

  Jared Leto
 
 
Os dejo con el tráiler de esta muy interesante película.
 
 

martes, 25 de marzo de 2014

Movierecord (2014)


 
 
Suelo ver siempre que puedo "Alaska y Coronas" ese programa de los miércoles noche en la 2, de los poquitos reductos que quedan en la televisión pública (la que pagamos con nuestros impuestos, nunca nos olvidemos), en la que a parte de unos debates interesantísimos conducidos por Alaska, tiene una sección de cortos, que de vez en cuando es altamente impactante.
El pasado miércoles así fue con Movierecord, corto dirigido por Nico Aguerre (realizador, guionista y servidor del cine), y rodado con sólo dos actores en una sala de cine, dónde el único que habla es el actor Jorge-Yamam Serrano, mientras Carla de Otero escucha su monólogo.





Una historia sobre la nostalgia que nos provocan esos grandes momentos que hemos vivido frente a la gran pantalla y con una historia personal de por medio.
 
Os dejo con este breve, pero muy interesante cortometraje.

 

domingo, 23 de marzo de 2014

Death Proof (2007)

Cartel del film
 
 
 
Quizás estemos ante la película menos reconocida de la filmografía de Quentin Tarantino, pero  que para mi, es un enorme film. La película es un tributo a los muscle cars y los géneros de exploitation y slasher de los año 70. Para ello, Quentin escribió y dirigió el film, y su amigo Robert Rodríguez le ayudó en la producción, y las dividieron en dos, una ésta y la otra Planet Terror que dirigió Robert. Una de las cosas que más me gustaron la primera vez que la vi, fue como recuperó el director para este film a un actor un tanto denostado en los últimos tiempos como Kurt Russell, que la verdad lo borda, interpretando a un psicópata especialista (Doble Mike) que asalta chicas jóvenes antes de asesinarlas con su coche "A prueba de muerte". Con su look retro de los años 70, una cicatriz en el lado izquierdo de la cara que le atraviesa verticalmente la misma, conduce su muscle car, recordando su época de doble de acción de pelis de Hollywood, especializado en escenas peligrosas, su presencia y carisma encandilan.



 
 
La primera parte del film trata del encuentro entre el protagonista y las chicas que realmente provocan la trama. Tres amigas, Arlene (Vanessa Ferlito), Shanna (Jordan Ladd) y Jungle Julia Lucai (Sydney Tamiia Poitier) conducen a Colorado St, Austin, Texas, para celebrar el cumpleaños de Jungle Julia, sin notar que son vigiladas y acechadas. Paran a tomar una copa en el Bar Taco Güero. En el bar las chicas se encontrarán con Pam (Rose McGowan), una enemiga de la infancia de Jungle Julia, mientras ésta es estudiada por Doble Mike que también está curiosamente en el mismo Bar.
 


Kurt Russell

 
La segunda parte de la película, se traslada a 14 meses después cuando Mike encuentra a otro grupo de chicas, con las cuales llevar a cabo sus planes, aunque en ese caso, la jugada le va a salir bastante diferente. Guión diseccionado en dos mitades, con guiños y diálogos muy tarantinianos, y con una cosa recurrente en algunos films del genio, y es que él mismo aparece como actor. Ahí, en esa segunda parte Zoë Bell entra en acción, una doble especialista en acción (con la que ya trabajó en Kill Bill) que se interpreta a si misma. Bell encarnará el triunfo femenino sobre el macho.




 
Si en ‘Kill Bill’ quería probarse como director de acción, ahora quería darle una vuelta de tuerca más y quería rodar al más puro estilo de los setenta, con coches rugiendo, ausencia de soundtrack y CGI para darle protagonismo a la adrenalina, los coches y donde los especialistas del cine de acción entran en juego. Pero como es inevitable en Tarantino, le sale una banda sonora otra vez envidiable, con temas rescatados para la ocasión de T-Rex, Willy Deville, etc...



 
 
Disfrutad de esta denostada película (en versión original subtitulada), a la que se le acusa de falta de ritmo, pero que a mi me parece que está contada al paso que quiere el director.
 


jueves, 20 de marzo de 2014

Sube y baja (1958)

 
 
Quizás una de las películas con las que más me he reído siempre de Cantinflas, de las que hizo en color, sea Sube y Baja, de 1958 y dirigida por Miguel M. Delgado.
El famoso actor mexicano interpreta aquí a un chico "dedicado al deporte", ante los ojos de Don Gaspar (Domingo Soler), dueño de una tienda de artículos deportivos, quien lo contrata como vendedor en su tienda, tras verlo jugar. 
Tras fracasar en casi todas sus ocupaciones, el jefe lo degrada a ascensorista, aunque más tarde decide enviarlo a Acapulco, para que trate de convencer a Jorge Maciel, deportista profesional, para que forme parte de su compañía.  



 
Catinflas, al viajar a las playas de Acapulco y registrarse en el hotel, es confundido con el mismo Jorge Maciel, y tras su romance con una mujer millonaria llamada Lucy (Tere Velázquez), decide mantener la farsa, pero para ello se ve obligado a competir en varias categorías deportivas, hasta que el verdadero Jorge Maciel lo ve, sin levantar revuelo, descubriéndolo y mandándolo de vuelta al D.F.



 
 
Divertidísima comedia donde Mario Moreno "Cantinflas" está de dulce, y sus chistes son de lo más ingeniosos.
Disfrutad de esta divertida película
 


lunes, 17 de marzo de 2014

Mad Max (1979)

Cartel del film
 
 
 
En la segunda mitad de los años setenta, se estaba produciendo un reverdecer del cine australiano, hasta entonces baldío y prácticamente inexistente con directores como Peter Weir, Bruce Beresford y George Miller. Éste último, con su ópera prima Mad Max, partiría la pana, ya que además de nominaciones y galardones en los premios australianos de cine, barrió en taquilla. Como suele pasar en estos casos, el presupuesto era ínfimo, un elenco de artistas y técnicos noveles dentro del cine, y un argumento sencillo, que no es otro que el de una venganza, a fin de cuentas. Pero claro, hablamos de un film, que emparentado en muchos momentos con el cine de Sergio Leone del spaguetti-western, tiene momentos donde en muchas partes de la película no hay diálogos, y se puede tirar 20 minutos así, algo que me parece glorioso, pero que además no impide para nada que te enteres de la trama.    
 



 
Pero claro, lo más impactante y sin duda, por lo que siempre es recordado el film, aparte de la aparición de uno de esos actores míticos (amado y odiado a partes iguales) como Mel Gibson, es la estética del film, en ocasiones diría que incluso friki, pero que pasó a ser la pepita de oro de cualquier videoclub que se preciara en los años 80, y convertirla en leyenda. Además hablamos de un film, donde las escenas impactantes son muchas, están muy bien rodadas, dentro de un tipo de cine que por aquel entonces estaba por perfeccionar, como las road-movie.
Ese futuro postnuclear y apocalíptico es en el que Max Rockatansky (Mel Gibson), un policía encargado de la vigilancia de una autopista, se las verá de todos los colores con unos criminales que actúan como vándalos, sembrando el pánico por las carreteras. Pero la venganza ante lo que le hacen a un compañero suyo, acabará por su parte matando a Nightrider (El Jinete nocturno), el jefe del violento grupo, por lo que el resto de la banda  jura ir a por él y vengar la muerte de su líder.
 




 
 
Os dejo con una mítica escena del film.

 

jueves, 13 de marzo de 2014

300: Rise of an Empire (2014)

Cartel del film

 
300, la película de Zack Snyder de 2006, fue una perfecta traslación del comic de Frank Miller al cine, con garra, energía, mucha adrenalina y testosterona, y también , porqué no decirlo, algún desbarre histórico. En esta secuela, primero cambia el director, que ahora es Noam Murro, pero además hay demasiados años entre una y otra cinta, 8 en concreto, y son diferentes en el manejo de la épica.
Pero tengamos en cuenta ante todo un tema fundamental, y es que en 300 se centraba en la lucha de los espartanos elegidos por Leónidas en las Termópilas ante las ordas de Jerjes, mientras que aquí son unos cuantos griegos más, a bordo de barcos haciendo frente a la innumerable armada persa. Antes de eso, el general griego Temístocles (dentro de las Guerras Médicas 500-479 A de C.) había intentado sin éxito conseguir la unidad de las polis griegas. Es por eso que los espartanos marchan por su lado y los atenienses combaten por el otro, no unidos. Es, en definitiva, la recreación de algo que pasaba en paralelo y a la vez, dentro de la misma guerra, y aquí vemos otras batallas (como la de Maratón al principio, cuyas consecuencias se ven después) no menos importantes.



  Sullivan Stapleton (Temístocles)



Esta cinta gana en espectacularidad, ya que las batallas marítimas así lo requieren, el despliegue es francamente abrumador, pero falla en cuanto a la épica, ya que aquí, a pesar de la gran actuación de Sullivan Stapleton, parece dirigir a un ejército al que debe arengar continuamente, mientras en 300, a parte del carisma de Gerard Butler, sus 300 soldados no necesitaban arengas ya que eran una extensión de él mismo.
Esto hace, que el eje real del film sea la rivalidad entre Temístocles y Artemisia (una griega que fue defenestrada de pequeña y lucha como comandante de los ejércitos persas). El duelo entre ambos no deja a nadie indeferente.



Eva Green (Artemisia)


Y aquí, quiero detenerme un momento. Lo de Eva Green, a la que ya conocía por otros trabajos, ayer me dejó impactado, no sólo por su gran actuación, ese papel de malvada pérfida y manipuladora (que ya dejó entrever en Casino Royale) aquí lo borda, pero es que además enseña su portentosa delantera en una escena realmente brutal, con momentos cumbre.
Precisamente por escenas como esa, y alguna más el film resulta entretenido y tiene su justa duración, eso si, la banda sonora me deja a medias, por momentos me gusta y por momentos no me gusta nada.



 Jerjes, convertido en divinidad

 
En cuanto a los fallos de la película, diría que los ritmos no están medidos, va dando tumbos con demasiados flashbacks montados unos sobre otros, y hay falta de diálogos normales en buena parte del mismo. Por otro lado hay un par de voladas gigantescas, una la conversión de Jerges (Rodrigo Santoro) de simple mortal a divinidad con sólo un baño, y la escena del caballo en la última batalla, dónde el mismo atraviesa fuegos, nada y vuelve al otro barco, un "caballo volador". A parte también de exceso de sangre y cabezas cortadas, lógico porque es una guerra, pero a veces es excesiva tanta ostentación de cabezas colgantes. Eva Green que está muy bien, por momentos parece la reina de los góticos... de hecho me recordó a la cantante de Evanescence o Within Temptation y ahí se pasa un poco de revoluciones, pero claro con tanto músculo y testosterona a su alrededor no es de extrañar que estuviese como una gata en celo.



Temístocles y Artemisia
 
 
En definitiva una película que como secuela no supera a su antecesora, pero que desde luego si consigue una cosa y es pasarte 1 hora y 40 minutos de diversión, cosa nada fácil a día de hoy en el cine. Con fallos, y cosas mejorables, es una película bastante amena de ver, y sobre todo si conoces la historia, quedarte con frases que son ya míticas.
 
Os dejo con el tráiler del film.
 
 

viernes, 7 de marzo de 2014

Nebraska (2013)

 Cartel del film
 
 
Anoche vi Nebraska en Versión original subtitulada, y disfruté muchísimo, cosa que no esperaba realmente, porque lo que en principio tenía trazas de ser un auténtico drama, tiene tanta chispa y tanto sentido del humor, que no pude sino reírme a carcajadas por los paralelismos que se muestran entre la historia contada y otras que has vivido y que sabes que son muy reales. El tema de la vejez, de saber que te queda poco y querer recuperar aquellas cosas del pasado, recuerdos, sensaciones, pero con un físico y una mente que ya no son los de entonces, es lo que en el fondo nos trae esta gran historia.


Bruce Dern & Will Forte
 
 
Alexander Payne (del que sólo había visto About Schmidt) nos cuenta la historia de Woody Grant (Bruce Dern), un anciano, con síntomas graves de demencia y que se suele perder por el pueblo dónde vive, recibe un "premio" por correo y cree que se ha vuelto rico, y obliga a su receloso hijo David (Will Forte) a emprender un viaje a Lincoln, en el estado de Nebraska, para cobrarlo. Poco a poco, la relación entre ambos, rota por los desvaríos etílicos de Woody, tomará otro rumbo, y pasarán por las más distintas situaciones ante la sorpresa de la madre Kate (June Squibb) a la que llegas a adorar (leches en algunos momentos me recuerda a mi propia madre) y del triunfador del otro hermano Ross (Bob Odenkirk). 





 
Pero una de las cosas que más me llamó la atención del film, aparte de su gran historia, y su mirada sin concesiones a la vejez, pero que se produce dentro de los que podríamos llamar la América profunda como la nada, es como está descrita esa parte del país, pueblos sosos y medio muertos, que están casi aislados del mundo. Cuando inician el viaje a Nebraska, padre e hijo paran en su pueblo natal, dentro del mismo estado de Nebraska, dónde queda una parte de la familia. Pero claro, se corre la voz de que viene a cobrar el premio, lo que hará que aparezcan buitres hasta debajo de las piedras, incluso en la propia familia, y como no, viejas rencillas con algún socio antiguo de trabajo como Ed Pegram (Steacy Keach) y recuerdos del pasado de sus antiguas novias y desvaríos alcohólicos.
 


 
 
 
Pero leches, es que el personaje de Woody tiene bastante de Quijote, quien desde su mirada cansada y clara, nos describe las humillaciones (que vuelve a sufrir al volver al pueblo) y su necesidad de reconquistar la dignidad perdida, para lo que contará con la inestimable y no esperada por él, ayuda de su hijo David (un claro perdedor de la vida, en contraprestación con su hermano Ross). Entre su aparente locura, mantiene una cordura, y la gente de bien siempre tiene buenos recuerdos de él y es apreciado.



Bruce Dern & June Squibb


 
Nebraska también es ilusión y desilusión a la vez, y el blanco y negro deprimente del film, sin matices ni sombras, no hace sino contar con más fidelidad una historia que nos retrae al pasado dónde la depresión y la derrota eran la nota dominante de sus vidas. La música de Mark Orton con ese aire country pero sin voces, donde guitarras acústicas y banjos dominan realzan si cabe, aún más, esa sensación depresiva, pero dónde los toques de humor constantes del film hacen que no pares de reír ante situaciones enternecedoras.




 
 
Muchas escenas valen quintales, desde la aparición en casa de la familia, con los dos hermanos cachondeándose de David por su velocidad de crucero en el viaje, el dantesco karaoke del pueblo (un teatro de los horrores) dónde cantan Ed y sus acólitos, cuando la madre visita el cementerio y no deja títere con cabeza, la escena del robo del compresor de aire por los hijos, el detalle de la furgoneta y su paseo glorioso por el pueblo...
 
Os dejo con el tráiler de ésta maravillosa y muy recomendable película.