miércoles, 25 de marzo de 2015

The Apartment (1960)

Cartel del film


El apartamento es una película dirigida por Billy Wilder en 1960, el cual es de los pocos directores que han conseguido un éxito de público, crítica y premios. Con esta película el director austriaco ganó tres premios (productor, director y guionista). Solamente John Ford consiguió lo mismo, unir a todo el mundo. John Huston fue un director que gustó mucho al público y academia, pero no consiguió la unanimidad de la crítica. La academia de Hollywood nunca tuvo en cuenta a Hawks, Hitchcock, Walsh, Fritz Lang, Chaplin o Welles, aunque sus películas han tenido éxito de público y crítica, ya sabemos lo curioso de este asunto.


Jack Lemmon
 
 
Billy Wilder hacía con ella su película número diecisiete, como director, y alcanzaba probablemente la cima de su talento creativo con ella. Tras una fructífera década de los 50, en la que supo entregar excelentes comedias como "Con faldas y a lo loco" (Some Like it Hot) y "La tentación vive arriba" (The Seven Year Itch), y no menos excelentes dramas o tragedias como "El gran carnaval" y "Sunset Blvd.", cambiaba de década con una tragicomedia esencial, que cristalizaba lo mejor de su estilo y el largo aprendizaje de las tres anteriores décadas, para obtener como resultado una hermosa y emocionante obra maestra.



Shirley MacLaine & Jack Lemmon


Esta era la segunda colaboración del director con Jack Lemmon, tras ese irresistible divertimento que fue Con faldas y a lo loco, donde estaba más en un papel secundario a la sombra de Tony Curtis, pero que le valió para que Wilder terminara de rendirse ante él y a su enorme genio interpretativo, y pasara a considerarle el actor más completo que había conocido.
Lemmon (interpretando a C.C. Baxter) es el protagonista absoluto de esta historia tan resbaladiza moralmente y tan impredecible y bien escrita, pues probablemente sea el guión más perfecto que jamás escribió Wilder (con o sin I.A.L Diamond de co-guionista), el mejor y más profusamente elaborado, el más ingenioso y complejo de todos ellos.





La historia nos cuenta la vida de C.C. Baxter, que es un modesto pero ambicioso empleado de una compañía de seguros de Manhattan. Está soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para sus citas amorosas (el típico picadero vaya). Tiene la esperanza de que estos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Pero la situación cambia cuando se enamora de una ascensorista llamada Fran Kubelik (Shirley MacLaine), que resulta ser la amante de uno de los jefes que usan su apartamento, el Señor Sheldrake (Fred MacMurray).


Shirley MacLaine & Fred MacMurray

Los dos protagonistas hacen la mejor interpretación de su carrera, y hubieran merecido el Óscar (he visto peores actuaciones galardonadas). La primera aparición en pantalla de Shirley MacLaine es muy buena, de una gran belleza, todo la película lo está. Su elección es un completo acierto, y nunca más la actriz tuvo una interpretación de tal calibre, ni en "Irma la dulce" o " La fuerza del cariño". Su carrera siempre será recordada por este papel de ascensorista y amante.



 
El guión de "El apartamento" está entre los mejores de la historia. Es muy complicado encontrar unas situaciones tan buenas a partir de un argumento tan simple. Las películas de Billy Wilder son atemporales y gustan a un público muy diferente, incluso a las nuevas generaciones acostumbradas a otro tipo de cine y que no consumen películas en blanco y negro. 
 
Os dejo con esta obra maestra.
 
 

martes, 24 de marzo de 2015

Take the money and run (1969)

Cartel del film


Toma el dinero y corre, como se tradujo aquí en España, es la primera película que dirigió Woody Allen, además de escribirla y protagonizarla, en el año 1969, un caótico film, pero que resulta de lo más divertido. Está realizada en el formato documental que volvería a utilizar en Zelig o Sweet and Lowdown, y narra la historia de un hombre completamente inútil que una vez tras otra intenta convertirse en un gran ladrón sin triunfar jamás.
En este trabajo, se pueden rastrear en la superficie algunos de los elementos más característicos del posterior espacio creativo construido por su director, no obstante, lo realmente atractivo del film y lo que le hace tan divertido es su desquiciado sentido del absurdo, que no sólo tiene presencia de manera superlativa en la mayoría de gags, también en el empleo de la maquinaria cinematográfica. Esta búsqueda sistemática y heterogénea de nuevos caminos y formatos, la adopción de diferentes géneros y la continua tarea creativa, caracteriza el impulso artístico de su autor, y, también, supone el mayor escollo, imponiendo una evidente irregularidad en su obra.
 


 
Una serie de entrevistas, con quienes lo conocieron, nos introduce en la vida del incompetente atracador Virgil Starkwell (Woody Allen), que desde el principio estuvo abocado a la delincuencia, ya que durante su infancia vivió sometido y humillado por los chicos más fuertes, y cuando descubrió que su carrera musical no tenía futuro, a Virgil no le quedó más remedio que robar, pero su escaso talento pronto lo conduciría a la cárcel.
En la estructura del film como falso documental sobre Virgil, emplea a un narrador en off que detalla algunas de las vivencias del protagonista en continuo contraste con la imagen (lo que dice el narrador es una interpretación neutra del continuo delirio cómico representado), alterna fragmentos en primera persona de la vida de Virgil con entrevistas a diferentes personas relacionadas con él (profesores, padres, médicos, etc), introduce en off también los propios pensamientos de Virgil cuando así lo cree necesario supliendo al narrador, juega abruptamente con el montaje y la banda sonora (por separado o en conjunto), componiendo escenas enfáticas, carentes de cualquier sutilidad. Por otro lado emplea la cámara al hombro con frenesí e insistencia, recurre al plano-contraplano para las conversaciones, prueba el sentido de un picado y un contrapicado y utiliza el primero plano para detallar un aspecto importante de la escena.



Este humor cimentado en el absurdo de situaciones llevadas hasta el delirio, unido a esa estructura caótica antes aludida y una cierta ligereza, revela un extraño referente en el espíritu de las comedias de Howard Hawks y, uno mas evidente (citado en numerosas ocasiones), en el anárquico mundo de los hermanos Marx, los genios absolutos de la comedia.
A pesar de todo esto y gracias a ello, Take the money and run, el comienzo de una obra desigual y atractiva, es uno de los experimentos cinematográficos más divertidos, subversivos e inteligentes de su realizador y una de las películas más hilarantes del cine cómico post-clásico.
 
Os dejo con este delirante film.
 
 

lunes, 23 de marzo de 2015

Love Recipe (2008)



Love Recipe es un cortometraje animado en 3D del año 2008 y realizado por cinco estudiantes de la Escuela de animación Supinfocom, de Arles (Francia).
Una pieza digna de tener en cuenta, y así fue considerada en los festivales de animación, obteniendo varios premios a nivel internacional al mejor cortometraje de animación.
Para su aniversario de bodas, un cocinero y su esposa están preparando la celebración, pero su perro quiere jugar y está a punto de fastidiarlo.


 
 
Él está en la cocina, concentrado, cocinando un pastel de chocolate en forma de corazón, interrumpido insistentemente por su chihuahua. Mientras tanto, ella está preparando sus preciosas curvas con un rico baño y eligiendo su ropa más sexy. Sus movimientos y acciones sincronizadas les lleva a juntarse en el dormitorio.


 
 
Os dejo con este gran corto.

 

jueves, 19 de marzo de 2015

Blade Runner (1982)

Cartel del film

Blade Runner ha tomado esta semana las salas de cine gracias al reestreno que nos permite ver la versión definitiva de la película de culto, es decir, que incluye un plus de metraje fundamental para terminar de encajar el puzle acerca de la identidad de Deckard (Harrison Ford). Siempre es un placer revisitar este clásico con mayúsculas de la ciencia ficción, pero poder hacerlo en pantalla grande es una ocasión que no se debe dejar pasar, y eso precisamente hice en el día de ayer, ya que en su día era demasiado pequeño.
Dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1982, está considerada como una de las mejores películas de la era moderna, y un título absolutamente de referencia a la hora de hablar de ciencia ficción en el cine. No en vano, la historia está inspirada en una novela de Philip K.Dick, autor de referencia para los aficionados a este género que tantas historias aporta y del que el cine bebe cada vez más. Dicha novela se titulaba "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?", pero Scott buscó y buscó un título más atractivo y potente, hasta que dio con este de mayor relevancia.

Los Ángeles en 2019
 
Blade Runner nos sitúa en un futuro distópico, aproximadamente en el año 2019, donde la ciencia ha avanzado tanto que se pueden crear copias casi exactas de los seres humanos que se dediquen a los trabajos más arriesgados. Estos seres, que reciben el nombre de replicantes, son como una versión mejorada del ser humano en el aspecto físico, pero también tienen carencias a la hora de sentir y expresar emociones, eso si, el modelo Nexus 6 tiene el problema de que sólo tiene 4 años de vida. Aún así, debido a que su número ha crecido tanto en los últimos años, se acaban convirtiendo en una minoría que puede resultar peligrosa, o revoltosa al menos, y se prohíbe su presencia en La Tierra, si bien son esenciales en otras colonias fuera de nuestro planeta.

Harrison Ford (Deckard)
 
 
Los Blade Runner son los encargados de buscar y detener (o matar) a los replicantes que se mueven clandestinamente por La Tierra. Rick Deckard (Harrison Ford) es un Blade Runner retirado, pero tras la muerte de uno de sus antiguos compañeros, se le encarga la investigación del caso, originado por una fuga de varios replicantes último modelo (Nexus 6).
Pero el film, tiene características que pasan a la historia por si mismas, ya que la ambientación, esas pantallas gigantes con las imágenes de mujeres orientales haciendo anuncios o cantando, Coca-Cola o TDK en carteles de neón, las imágenes de la ciudad y de el edificio de Tyrell donde se crean los replicantes son inolvidables. En definitiva, hablamos de un diseño de producción pluscuamperfecto.
 
 
Sean Young (Rachael)

Si recuerdo, que en su día y como suele pasar a todas las obras maestras, no se recibió la película con mucho entusiasmo, ya que la gente esperaba un film con mucha acción e intensidad, y cuando se encontró con este metraje deliberadamente reposado y dispuesto para sumergir al espectador en una atmósfera negra y deprimente, la decepción fue gorda, pero es que no la habían entendido, no estaban preparados. Blade Runner no te levanta del asiento, sino que el aroma ciberpunk que destila, va calando poco a poco, sin darte cuenta te va embriagando, como esos álbumes que no te entran a la primera, pero a base de escuchas han crecido en tu interior, o un licor que al principio no te agrada, pero cuyo regusto final te satisface y quieres más. Tal vez es que su complejidad fuera difícil de percibir a primera vista, y fueran necesarias más pasadas para comprender la grandiosidad de su arte en plenitud.
 

Daryl Hannah (Pris) & Rutger Hauer (Roy Batty)


Una de las muchas cosas que le confieren al film en cuestión la categoría de sublime, es su banda sonora. Hay muchas veces que las bandas sonoras de las películas son un apoyo sin más, en este caso forma parte, o es la médula espinal de lo que se nos cuenta. Para ello Vangelis, que venía de ganar el Óscar con Carros de fuego el año anterior, define el tempo de la narración, contribuye de manera decisiva a la ambientación, y sobre todo nos sumerge en unas sensaciones que nos meten de manera definitiva en el universo futurista que propone el director, sin que nos demos cuenta.

 
 
En cuanto al reparto, la única estrella en ese momento era Harrison Ford, que ya había intervenido en La Guerra de las Galaxias (Star Wars), El Imperio Contraataca (The Empire Strikes Back) y En busca del Arca Perdida (Raiders of the lost Ark), taquillazos todas ellas.
Sus compañeros de rodaje no eran tan conocidos, pero vieron sus carreras despegar después de esta experiencia. Rutger Hauer  ha tenido una fructífera vida laboral, que se prolonga hasta hoy en día, así como la bella Sean Young, Daryl Hannah e incluso Edward James Olmos, estando todos ellos a un gran nivel.



 
Estamos sin duda, ante una película que no sólo es que ahora ya encabece las clasificaciones de mejores películas de cualquiera de los géneros que toque, sino que su influencia en cuanto a estética y narración ha sido enorme. A día de hoy muchos films siguen tirando de la madeja de éste, pero no le llegan ni a la suela de los talones.
 
Ahora, más de tres décadas después, parece que tanto Ridley Scott como Harrison Ford han decidido dar un paso adelante y rodar una secuela de Blade Runner, contando incluso con el guionista original de la película, pero con Scott de productor y otro director.
 
Os dejo con esa parte del film, en casa de Deckard, cuando suena el Love Theme, con Sean Young brutal.
 
 

miércoles, 11 de marzo de 2015

Paperman (2012)

Cartel del corto

 
Si el otro día os hablaba del corto animado ganador este año en los Óscars, hoy lo hago del que fue ganador en 2012. Paperman, se trata de un corto animado de Walt Distney en blanco y negro dirigido por John Kahrs.
Paperman está ambientado en la Ciudad de Nueva York de los años 40 y comienza con un encuentro casual entre dos personas que esperan el tren y sus vidas comienzan a unirse en el momento en que un papel pasa volando con una ráfaga de viento, y se detiene en la cara de la mujer quedando manchada por su lápiz labial, y seguidamente la pierde de vista, a partir de este momento se genera una serie de situaciones que mantienen entretenido al espectador durante algunos minutos.
 



Pero la vida a veces te da oportunidades hasta que, desde la ventana de su oficina, el hombre ve que ella trabaja en el rascacielos de enfrente. Utilizando la imaginación y unos papeles, intentará conquistarla...
Walt Disney nos trae un divertido corto con un guión sencillo pero original y una estética que demuestra una vez más que la compañía aún tiene mucho que ofrecer, combinando la animación tradicional con la animación por ordenador.



 
Os dejo con este fantástico cortometraje.

 

jueves, 5 de marzo de 2015

Feast (2014)



El cortometraje animado ganador de los Óscars 2015 fue Feast (Buenas migas) dirigido por Patrick Osborne, jefe de animación de Paperman. Se proyectó en cines junto a la última película de animación de Disney, "Big Hero 6".
La historia gira en torno a un entrañable perrillo que tras ser adoptado se convierte en testigo de una historia de amor con la que muchos podemos sentirnos identificados... ¿o no? Un detalle importante para disfrutarlo bien, no os fijéis solo en lo que sucede en primer plano, atención al fondo, suceden siempre cosas.
 


 
Os dejo con este maravilloso corto.

 

sábado, 28 de febrero de 2015

Escenas míticas del cine (XXX)


 
En el año 2001, Antoine Fuqua dirige esta extraordinaria película donde lodos los días, en las calles de las zonas urbanas deprimidas de los Estados Unidos se libra una guerra, una guerra entre residentes, traficantes de droga y los que han jurado proteger a unos de los otros.
Esta guerra tiene sus víctimas y sus verdugos, y una de sus figuras más importantes es el sargento Alonzo Harris (Denzel Washington), un agente de narcóticos con 13 años de experiencia cuyos discutibles métodos hacen difusa la línea entre la legalidad y la corrupción. Jake Hoyt (Ethan Hawke), un joven policía recién asignado a narcóticos, comienza sus rondas a las órdenes de Alonzo para aprender de él, pero no todo lo que va viendo y aprendiendo dice nada bueno de su supuesto gran compañero.



En una actuación en un callejón, Jake sale en defensa de una chica de la que intentaban abusar, dando buena cuenta de los agresores por si sólo, ante la pasividad de Alonzo, esto provoca la ira de Jake que no lo entiende, pero a la larga esa acción sólo le reportará beneficios.
 
Os dejo con la mítica escena.

 

viernes, 27 de febrero de 2015

Ha muerto Leonard Nimoy (Mr. Spock).


 
El actor Leonard Nimoy, popular por su papel del Mr. Spock en la serie Star Trek y las películas de la franquicia, ha muerto a los 83 años de edad, según informan medios estadounidenses. Su mujer, Susan Bay Nimoy, ha confirmado el fallecimiento a The New York Times. El actor se encontraba hospitalizado desde principios de semana a causa de una obstrucción pulmonar crónica, que le fue diagnosticada el pasado año. El actor hizo público en 2014 que padecía un problema pulmonar crónico, que atribuyó a sus años de fumador, un hábito que dejó hacía más de 30 años.
Nacido en Boston debutó en la actuación en 1952 con la película Kind Monk Baroni. También tuvo pequeños papeles en series y películas, pero su gran momento llegó con el papel de Mr. Spock, mitad humano mitad vulcaniano, el papel que le lanzó al estrellato.
La serie Star Trek se mantuvo en antena entre 1966 y 1969, durante los que Nimoy consiguió tres nominaciones a los premios Emmy por su papel.
Uno de sus últimos personajes recurrentes en televisión fue en la serie Fringe, dando vida a William Bell.




Os dejo con un recopilatorio de mejores momentos de su papel fetiche en versión original.

 

jueves, 26 de febrero de 2015

Magical Girl (2014)

Cartel del film

 
Hacía tiempo que una película no me dejaba tan descolocado, tan pensativo y a la vez con tan buen regusto. Magical Girl no es un film al uso, ni mucho menos, pero deberían hacerse más de este tipo, con un extraordinario guión, del propio director Carlos Vermut, que es un joven realizador que dejó su impronta en su anterior película Diamond Flash (2012) y que nos hace concebir grandes esperanzas de estar ante un gran talento. Todo en Magical girl está medido, todo tiene su razón de ser. No deja nada al azar. Pero para mi, una de las grandes virtudes de este película es que en su visionado te tiene completamente despistado, y sin saber que va a suceder en el siguiente paso o escena. No en vano, este film fue ganador de la Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián.


Luis Bermejo & Bárbara Lennie


Alicia (Lucía Pollán) es una niña enferma, que sueña con el vestido de la serie japonesa "Magical girl Yukiko". Luis (Luis Bermejo), su padre, hará todo lo que está en su mano y más allá para conseguirlo. Su destino se cruzará con el de Bárbara (Bárbara Lennie), una muy atractiva joven casada, y con un jaleo mental en la cabeza bastante considerable, pero también con Damián (José Sacristán), un profesor de matemáticas retirado de todo, menos de su tormentoso y carcelario pasado.
La única verdad evidente son las matemáticas. La película arranca con una suma, 2 más 2 son 4, nos recuerda Damián, profesor de matemáticas y en cierta manera se nos alerta de que las matemáticas mueven el mundo. Damián es interrumpido en su clase, en su templo, cuando está en pleno discurso por una chiquilla insolente, Bárbara. Esa cría que amenaza el orden de ese profesor que tiene todo ordenado de manera pulcra en su mesa de trabajo.


Bárbara Lennie


Ese orden se ve amenazado por tres grandes peligros (por lo menos para el mundo cristiano): Mundo, Demonio y Carne. Y estos tres "enemigos" conforman los tres capítulos de Magical Girl.
Mundo: El mundo en que vivimos no es de color de rosa como lo es el mundo mágico de los mangas, dibujos animados japoneses. Luis era profesor de literatura y ahora con poco más de cuarenta años se encuentra sin trabajo y a punto de la desesperación. Quiere darle todo a su hija consciente de que tal vez no pueda cumplir otros deseos. El problema que se encuentra Luis es que el vestido vale cerca de siete mil euros...



Lucía Pollán
 
 
Carne: La carne es una tentación para el alma y que produce nuestro propio cuerpo, esa tentación, que en si no es mala, pero si es malo consentirla. El buen cristiano ha de sortear pues, una serie de peligros, entre ellas andan las amistades peligrosas, cosa que Bárbara sabe muy bien, una mujer atormentada, rara, oscura, enferma, con señales y casada con Alfredo (Israel Elejalde), un psiquiatra muy dominante que no duda en someter a su esposa a una serie de vejaciones "por su propio bien".
Demonio: El demonio tiene muchas caras, y de eso, Damián el profesor de matemáticas, sabe un rato. Ya jubilado, pero marcado de por vida por haber conocido a Bárbara, que convirtió su vida en un infierno, ya que por defenderla fue a la cárcel y por salvar supuestamente su honor, hará cosas monstruosas.
 
 


José Sacristán & Luis Bermejo
 
 
Estos tres capítulos conforman tres historias cruzadas, tramas que el director desarrolla de forma circular. En ellas hay amenazas, chantajes, traumas, miedos, venganza, redención, etc., además de tratar temas sociales como el paro, la educación, la crisis, la España Cañí con una de sus señas de identidad que la define, como es la tauromaquia, la fidelidad-infidelidad de la pareja, la prostitución de alto standing u obsesiones sexuales llevadas al límite, etc...
Remata la película una cuidada banda sonora con coplas de Manolo Caracol y de el grupo japonés Pizzicato Five entre otros.
 
En definitiva, un film que te deja tocado, con la sensación de que si vuelves a verla te vendrán preguntas nuevas a la cabeza, ya que el director deja cosas ahí en el limbo aposta, para que tu saques tus propias conclusiones.
 
Os dejo con el tráiler de esta inquietante y extraordinaria cinta a la vez.
 
 

martes, 24 de febrero de 2015

Lucky Number Slevin (2006)

Cartel del film


Cuando vi en el cine esta cinta me encantó, y ayer viéndola de nuevo en televisión me reafirmé, sigue siendo una gran película con un guión que se disfruta como pocos. Quizás no es una obra maestra absoluta, pero desde luego está extraordinariamente llevada, conducida y su giro final a la altura de cualquier obra cumbre.
En cuanto a su estructura, su ritmo y la soltura de sus diálogos (que probablemente perderán mucho en el doblaje) y también algún actor en común puede que recuerde a Pulp Fiction, pero desde luego la temática es diferente y porqué no decirlo ni la banda sonora se parece, ni Tarantino anda por aquí. El director es Paul McGuigan y trataré de explicarla sin desvelar mucho.
 

Bruce Willis & Josh Harnett
 
 
A Slevin (Josh Hartnett) la vida no le va nada bien. Acaban de declarar ruinosa su casa y ha encontrado a su novia en la cama con otro hombre. En un intento de desconectar de todo y salir de Los Ángeles una temporada, toma prestado el apartamento de su amigo Nick Fisher en Nueva York. Cuando llega, la puerta estaba abierta, así que decide entrar y darse una ducha. Lucy Liu, interpretando literalmente a la vecina de al lado (Lindsey), entra a pedir azúcar y conoce a este joven que sólo lleva una pequeña toalla alrededor de sus caderas. Pero las cosas sólo están a punto de empeorar. En el oculto mundo de los criminales neoyorquinos, los dos mafiosos más respetados y temidos son El Rabino (Ben Kingsley) y El Jefe (Morgan Freeman).
Anteriormente socios y actualmente enemigos acérrimos, los dos gángsteres viven atrincherados en sus fortalezas, una frente a la otra. A pesar de su poder, los dos están prisioneros de su propia paranoia, ya que llevan 20 años sin salir de sus particulares reinos.


Lucy Liu & Josh Harnett

 
Pero la tensión entre ellos va en aumento. Para vengar el asesinato de su hijo, El Jefe planea matar al hijo del Rabino. Pero si parece un asesinato premeditado desencadenará la Tercera Guerra Mundial. Para solucionar el problema, El Jefe contrata al conocido asesino a sueldo Goodkat (Bruce Willis), cuyo plan es de lo más sencillo, es decir, buscará a un jugador que le deba mucho dinero al Jefe y le obligará a matar al hijo del Rabino. Y... ¿A quién elegirá? A Nick Fisher.
El enredo que se produce de falsas identidades será una de las claves de la película y además permite entender la trama.


Ben Kingsley & Morgan Freeman
 
 
Los actores están portentosos, Josh Harnett, en para mi su mejor película, Bruce Willis soberbio en el papel de matón de caché a sueldo, los gánsteres protagonizados por Ben Kingsley y Morgan Freeman aportando ese poso de sabiduría y saber estar en dos papeles que les van como anillo al dedo, y por otro lado Lucy Liu, que en el papel quizás más sorprendente está perfecta dándose el lote con el protagonista, y a la vez siendo muy lista para salvar su pellejo cuando las cosas se ponen complicadas.





Por tanto El caso Slevin no sólo sorprende por su trama, sino también por los buenos resultados en la dirección y la interpretación del protagonista Josh Harnett. Probablemente el guión ha ayudado mucho y el director, que no hace una mala labor en cuanto a realización, ritmo, puesta en escena y dirección de actores, y que le auguraba un buen futuro. También muy destacables los flashbacks, que en este film si que tienen mucho sentido para entender toda la trama.
 
Os dejo con el tráiler de esta muy recomendable película.
 
 

lunes, 23 de febrero de 2015

Los Óscars 2015.



 
En una gala que ha sido bastante sosa, que tuvo como presentador a Neil Patrick Harris, pero en la que sigo echando de menos a Hugh Jackman, para mi el más divertido de todos los últimos presentadores, hemos visto el desfile habitual en estos eventos, es decir, mucho traje, lentejuelas y alfombra roja para los candidatos. Ya se sabe, que muchos se postulan como candidatos, como seguros ganadores, y todos los premios previos a los Óscars van dando pistas, pero el mantener esa incertidumbre, da siempre un extra y hace que estos premios siempre sean especiales.
 


Neil Patrick Harris


Birdman ha sido la gran triunfadora, con 4 estatuillas, mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor fotografía. El Gran Hotel Budapest también se lleva 4, pero de menos categoría, Diseño de producción, vestuario, maquillaje y banda sonora original. Whiplash se ha llevado tres, mejor actor secundario, mejor montaje y mezcla de sonido. El resto de candidatas se han repartido una estatuilla, Boyhood, Descifrando Enigma, El Francotirador o La Teoría del Todo, es decir todo muy repartido.



Birdman, mejor película


En el apartado interpretativo, se puede decir que los cuatro Óscars estaban cantados, Eddie Redmayne lo borda en el personaje de Stephen Hawking, aunque Michael Keaton era un duro rival, Julian Moore por Siempre Alice era inapelable, y los secuandarios J.K. Simmons por Whiplash merecidísimo, además de Patricia Arquette por Boyhood.
Momento significativo fue en el discurso de Patricia Arquette que al recoger la estatuilla pidió igualdad salarial para actores y actrices en Hollywood ante los aplausos enfervorizados de Meryl Streep y Jennifer López, entre otras.
 


Actores y actrices ganadores

 
Emma Stone fue una de las mejores vestidas de la alfombra roja y se fue a casa sin un Oscar de verdad, pero consiguió uno de lego, la coña más cachonda de la gala. Digamos que su cara en la instantánea era un poema.
Por otro lado uno de los más listos y que sabía que no iba a ser su noche fue, Benedict Cumberbacth que decidió ir provisto de petaca mientras le decía a la cámara que se pirara.


Los Óscars de Lego
 
 
Esta ha sido la lista de premiados:
 
*Mejor Película
Birdman (O la inesperada virtud e la ignorancia)
 
*Mejor Director
Alejando Gonzalez Iñárritu por Birdman
 
*Mejor actor protagonista
Eddie Redmaine por La Teoría del Todo
 
*Mejor actriz protagonista
Julian Moore por Siempre Alice
 
*Mejor actor de reparto
J.K. Simmons por Whiplash
 
*Mejor actriz de reparto
Patricia Arquette por Boyhood
 
*Mejor película de animación
Big Hero 6
 
*Mejor película de habla no inglesa
Ida (Polonia) de Pawel Pawlikowski
 
*Mejor documental
Citizen Four de Laura Poitras, Mathilde Bonnefoy y Dirk Wilutzky

 

*Mejor guión original

Birdman por Alejandro G.Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr y Armando Bo

 
*Mejor guión adaptado
Descifrando Enigma por Graham Moore
 
*Mejor diseño de producción
El Gran Hotel Budapest de Adam Stockhausen y Anna Pinnock
 
*Mejor Fotografía
Birdman por Emmanuel
 
*Mejor vestuario
El gran Hotel Budapest por Milena Canonero
 
*Mejor montaje
Whiplash por Tom Cross
 
*Mejores efectos visuales
Interstellar por Paul Franklin, Andrew Lockley, Ian Hunter y Scott Fisher
 
*Mejor maquillaje y peluquería
El gran Hotel Budapest por Frances Hannon y Mark Coulier
 
*Mejor edición de sonido
El Francotirador por Alan Robert Murray y Bub Asman
 
*Mejor mezcla de sonido
Whiplash por Craig Mann, Ben Wilkins y Thomas Curley
 
*Mejor banda sonora
El Gran Hotel Budapest de Alexandre Desplat
 
*Mejor canción
Glory de Selma, John Stephens y Lonnie Lynn
 
*Mejor cortometraje
The Phone call
 
*Mejor corto documental
Crisis Hotline: Veteran Press 1.
 
*Mejor cortometraje animado
Feast (Buenas migas)
 
 
Os dejo con el tráiler del documental Citizen Four, una fascinante mirada en primera persona de cómo la directora Laura Poitras y el periodista Glenn Greenwald se reunieron por primera vez con el denunciante Edward Snowden en Hong Kong, donde les dio documentos que muestran abusos de poder enormes por parte de la Administración Nacional de Seguridad. Es un relato de primera mano sobre los momentos más revolucionarios de la historia reciente.

 

sábado, 21 de febrero de 2015

El Niño (2014)

Cartel del film


Daniel Monzón, que comenzó en el mundo de las críticas, dio el salto a la dirección con "El corazón del guerrero" (antes lo hizo como guionista en Desvío al paraíso), luego vendría "El robo más grande jamás contado" y la desigual "La caja Kovak", para coronarse con la magnífica Celda 211 que arrasó en los premios Goya. Varios años de espera, 5 en concreto, le ha llevado preparar su nuevo film, El Niño, que venía avalada por un buen presupuesto y una cosa de la que suele adolecer nuestro cine, una gran campaña de publicidad (Mediaset estaba detrás y se notaba).



Jesús Castro

 
El Niño, aborda la temática del narcotráfico dentro del Estrecho de Gibraltar, esos 14 kilómetros míticos que separan un continente de otro, mostrándonos tanto a los policías que luchan contra el crimen como a los individuos que se dedican a transportar la droga de uno a otro continente. La obsesión de resolver un caso, el afán de obtener dinero fácil y la corrupción de las autoridades son algunos de los contenidos de la película, a la que de vez en cuando se le añaden unos toques de humor y de romance. Es un thriller policíaco, no cabe duda, que funciona, si, pero hay algo que le falla, y a medida que iba avanzando el film iba dándome cuenta de dónde estaba ese talón de Aquiles. 





Mirad que tengo admiración por un actor como Luis Tosar, y no digamos ya por Eduard Fernández, pero el primero no está a su nivel habitual en este film, no digo que esté mal, pero no me acabo de tragar su personaje de buen poli (Jesús) que le dan por todos los lados y siempre está bajo amenazas, como tampoco el de su compañera que interpreta Bárbara Lennie (Eva). Eduard está sublime, en un papel de policía corrupto que borda. Sin embargo, Jesús Castro, está magnífico, la nueva estrella del cine español, que haría bien en quitarse el cerrado acento andaluz que arrastra para no encasillarse, porque cualidades tiene de sobra para triunfar y aquí demuestra muchas de ellas, haciendo de un chaval que le echa mucho arrojo y valentía, pero poca cabeza a una situación que poco a poco le va cerrando los caminos.
 


Luis Tosar y Bárbara Lennie

 
El film cuenta con escenas de acción muy bien rodadas, con las lanchas y el helicóptero de la policía en varias ocasiones, pero el ritmo del film se ve algo alterado cuando mete la historia romántica por medio, bajando algo su interés. Destacar a Mariam Bachir (Amina), una bellísima actriz que protagoniza el romance con El Niño. De los apartados técnicos de El Niño sólo se pueden decir palabras de elogio. Se nota que Monzón ha cuidado muchísimo su realización, quedando atrás los años en los que la puesta en escena y la factura de una película española no podían rivalizar con las de una de origen estadounidense.



 
El Niño es una buena mezcla de cierto cine quinqui netamente español, con el policiaco internacional de alto nivel, que estamos acostumbrados a contemplar procedente de otras latitudes y países, y las mira frente a frente, sin dárselas de prepotente pero también sin demasiados complejos. Por algunos momentos me recuerda fases de Corrupción en Miami (la película) pero a la española. Estamos ante un film que hubiera necesitado algo más de garra visual, de un realismo menos plano y aburrido de contemplar, pero también es cierto que apuntala bien sus bases, donde Monzón lleva orgulloso y por bandera el cine de género.


Luis Tosar y Eduard Fernández
 
 
En definitiva una entretenida cinta, con, a mi juicio, una duración algo excesiva, pero que necesitamos en nuestro cine. Un thriller que nos aporta muchas cosas buenas y otras mejorables, pero que bajo mi punto de vista es muy necesario este tipo de trabajos que enriquecen nuestro cine y lo pone a un alto nivel con sus detalles mejorables.
 
Os dejo con el tráiler.